Anmeldelser | April 2024

Alvin Ailey American Dance Theatre i Jamar Roberts '' A Jam Session For Troubling Times '. Foto med tilladelse fra Emily Kikta Peter Walker.

2-31. December 2020.
Tilgængelig gennem www.alvinailey.org/performances-tickets/virtual-winter-season/watch-now .

I over 60 år har Alvin Ailey American Dance Theatre præsenteret dansekunst, der hæver, inspirerer, uddanner og provokerer tanke - fra proscenium-scenen til dansestudiet til samfundsbaserede omgivelser. Det er en stor del af, hvorfor tusindvis af dans- og kunstelskere er vendt tilbage til, hvad virksomheden tilbyder igen og igen - gennem tider med krig og fred, knaphed og masser, uenighed og harmoni.

I betragtning af COVID-pandemien ser det, som virksomheden kan præsentere, anderledes ud i år - påfaldende nok også de 60^thjubilæumsår for Alvin Aileys mesterværk Åbenbaringer. Alligevel er det uden tvivl ikke mindre meningsfuldt og ikke mindre specielt. Intet kan erstatte liveoptræden, men hvad virksomheden har tilbudt i sin første virtuelle sæson nogensinde (noget historisk i sig selv) havde sine egne kreative innovationer og måder, hvorpå virksomheden taler med sin egen stemme.

Disse nyskabelser var især fremherskende i de to originale værker, der blev præsenteret denne sæson - Jamar Roberts ' En jam-session for urolige tider og Testamente af assisterende kunstnerisk direktør Matthew Rushing (i samarbejde med virksomhedsmedlem og assistent til repetitionsdirektøren Clifton Brown og det tidligere selskabsmedlem Yusha-Marie Sorzano). Andre programmer i sæsonen fejrede 60 år af Åbenbaringer , undersøgt, hvordan dans og social retfærdighed krydser hinanden, tilbød indhold i alle aldre til hele familien og fejrede to selskabsmedlemmer, der gik på pension i år.

Aileys Renaldo Maurice, Courtney Celeste Spears og Chalvar Montiero, der filmer Jamar Roberts '' A Jam Session for Troubling Times '. Foto med tilladelse fra Emily Kikta og Peter Walker.

Roberts ' En jam-session for urolige tider begyndte med smukke overheadskud af New York City. I voiceover delte en gentleman historier om livet for en jazzmusiker i byen. Skud af musikere på et tag sammen splejset i Alvin Aileys dansere foran Ailey Studios (skiltning af 'ALVIN AILEY AMERICAN DANCE THEATER' placerede dem tydeligt). Danserne - selvom de forblev fysisk fjerne - havde et par øjeblikke af spænding ved at se hinanden og skiftede derefter hurtigt til bevægelse. Dette valg var humaniserende og hjertevarmende, især i denne tid med fysisk afbrydelse.

Bevægelsen var med risiko for at reducere noget så lagdelt og rig en udførelsesform for jazzmusik: improvisation af et rudimentært element, riffing af hinanden, dansers energier, der fodrer hinandens. Unison-bevægelse blev fremherskende senere i stykket, men den improvisatoriske unikhed af hver dansers krop og bevægelsessignatur forblev.

De måder, hvorpå bevægelsen skiftede og udviklede sig i løbet af stykket, var også spændende såvel som æstetisk tilfredsstillende. Det begyndte for det meste meget kantet og meget gestikulært jazzdans sig selv. (Og meget af ordforrådet er påvirket af jazzdans - for eksempel isolationsbaseret og parallel). En mere krøllet og flydende kvalitet kom senere ind med bongotrommer, der tog en melodilinie. Danserne fortsatte med at legemliggøre musikken gennem friske tilgange, der tangificerer musik i kroppen, er ikke et nyt koncept, men dette arbejde tilbød det på måder, som jeg aldrig har set før.

Stykkets film og belysning holdt også den visuelle oplevelse dynamisk. Kameraet bragte os i nærbilleder senere i arbejdet, og da danserne flyttede ind i en gyde, belyste et gult lys dem. Med den nye belysning kom en frisk nuance over deres hud og kostumer - noget som dans på film giver uendelige muligheder for.

Dansernes ægthed og menneskelighed forbedrede også oplevelsen af værket. Der var en beskeden og meget menneskelig egenskab ved, hvordan de bevægede sig sammen, så forbløffende virtuose som de var. Hver dansers personlighed fik et øjeblik i rampelyset, noget sjovt og glædeligt at se. Fodtøj i tråd med den klassiske jazzklub-stemning styrket denne følelse. Afslutningsrammerne gjorde det også, da danserne klappede, rillede sammen og hver fik et øjeblik et solo-shot og navnekredit. Selve værkets titel er i den tone og ånd: ligetil, finpudset og tilgængelig. Værket er netop, hvad titlen fortæller os, at det er.

lana jones

I en post-performance chat diskuterede Roberts og den kunstneriske direktør Robert Battle inspiration til og sammenhæng med arbejdet. Roberts anerkendte den tid, vi er i, og kontrasten mellem det og stykkets humør. Han ser det som beslægtet med ting, vi gør for at holde vores humør op og få forbindelse med andre på sikre måder - for eksempel på cykelture og til parken. Vi kan jamme i vanskelige tider og finde glæde og kreativitet sammen. Diskussionen eksemplificerede den dybere forståelse omkring værker, som sådanne samtaler med koreografer kan bringe.

Testamente , koreograferet af Associate ArtisticDirector Matthew Rushing i samarbejde med Clifton Brown og Yusha-Marie Sorzano, var et stykke til minde om, ære og se fra en ny linse Aileys sædvanlige arbejde Åbenbaringer i dets 60^thjubilæumsår . Synes godt om Åbenbaringer , centrerer arbejdet en historie om 'at omdanne smerte til magt' og cyklussen med 'klagesang mod håb', sagde - i en samtale efter forestillingen med de tre koreografer. De tre - 'Team Testament', som de med glæde delte i chat efter optræden, diskuterede også, hvordan delte historier og 'håndgribelige bevis' er centrale ideer, der formede arbejdet.

Alvin Ailey American Dance Theatre i 'Testament' af Matthew Rushing, Clifton Brown og Yusha-Marie Sorzano på Wave Hill PGCC. Foto af Travis Magee.

tingting asmr rigtige navn

Stykket begyndte med, at folk bevæger sig sammen, og med et åndedrag fra en kvinde skinnede et lys. Da flammen døde øjeblikke senere, var der billeder af sort smerte og subgation - dem der var intense at opleve. Den første ensemble sektion fulgte det med dansere på et blankt scenen i en stram og lineær formation. Der var et lydbillede af vand og vind, af en storm på havet. Lysstråler skinnede ind og belyste en ellers mørk scene. Partituren sang 'Hvorfor er jeg her? / Hvad er det her for et sted? / Hvad gjorde jeg for at komme her? ” Jeg tænkte straks på Middle Passage mellem Afrika og Amerika - hvor det helt sikkert begyndte.

Bevægelsen havde rækkevidde og desperation, men på andre tidspunkter frygt og tilbagetrækning i sig selv. Øjeblikke af stilhed og blanke udtryk signaliserede manglende håb og fratræden til den nuværende skæbne. Nogle af de mest kraftfulde bevægelsesordforråd var langsom enstemmig bevægelse, en simpel hævning af et ben over hoften, mens den lå på siden.

I det følgende afsnit var der to dansere, hver i et langt spotlight. Der var en høj grad af virtuositet i dybe bøjninger, høje udvidelser og kraftige sving. Men hvad der føltes mest betydningsfuldt var hvad der ikke var der - manglen på forbindelse mellem dem og manglen på at bevæge sig ud fra de rum, som deres projektører belyste. Partiturets enkle elektroniske toner forbedrede denne følelse af, hvad der manglede. De bevægede sig frem og tilbage, signaliserede handling, men alligevel var de ude af stand til at bryde disse barrierer og forbinde med hinanden. Det var indtil et bemærkelsesværdigt punkt, da de for første gang stirrede på hinanden - et øjeblik, der tog sin tid og genlyd.

Billeder af undertrykkelse af sorte mennesker blinkede igen over skærmen og efter modstand mod den undertrykkelse: af MLK Jr., protestskilte og stående sammen mod intimideringstaktik. Derefter fulgte en omrørende ensemble-sektion af dansere, der bevæger sig sammen med magt, overbevisning og formål - bogstaveligt talt bevæger sig fremad sammen. Vinkler i bevægelse formidlede styrke, mens kurver illustrerede tilpasningsevne og kompleksitet. 'Jeg er her / jeg er værdig' sang sangen - og alt om dansernes tilstedeværelse talte sandheden.

Den næste sektion var en solo for virkelig at røre hjertet - en kvinde dansede i sin magt, men med uro og problemer i hendes krop og sjæl tydelig. Talen i partituret talte om følelsesmæssig foruroligende og ensomhed på det urolige sted. Disse ord mindede mig om, at mental sundhed ikke er et aspekt at glemme, når vi taler og danser om befrielse.

Dansere cirklede omkring hende, som om de var i støtte og beskyttelse, og talen skiftede til at være den om at være i hendes magt og træde frem i klarheden i hendes overbevisning. Blinkende over skærmen var fotos af sorte ledere og visionærer - fra Frederick Douglass til Harriet Tubman til Rosa Parks til Malcolm X til James Baldwin. Endelig så vi Michelle og Barack Obama samt vicepræsident Elect Kamala Harris. Mit hjerte kunne ikke lade være med at springe.

Skuddet skiftede til udendørs med en stor gruppe, der dansede, igen. Bevægelsen denne gang var blødere, lettere og mere glad end i den første ensemble sektion. Det var som om de ikke længere skulle skubbe og kæmpe og bevise, at de bare kunne være . Bevægelser smeltede ind i nye bevægelser, rygsøjler bølgede, og energi udstrålede fra deres centrum ud over deres kinespheres.

Alligevel forblev det, der er usikkert. Hoveddanseren så en anden kvinde i et tørklæde og gik mod hende, da de andre dansere fortsatte med at bevæge sig - det var tilbage til åbningsskuddet. Jeg tænkte på, hvordan historiens vægt ikke kan tømmes fuldt ud - hvad der er gået tabt, og hvad der kunne have været, vil aldrig blive genvundet fuldt ud. På den anden side er arven og styrken hos dem, der kom før, også noget der forbliver hos os.

I urolige tider kan påmindelser om sådan sandhed - gennem kunstens medium - betyde mere end nogensinde. Disse værker føltes som om de var formet af disse tider og tilbød også noget vigtigt for dem der lever i disse tider deri af disse tider og til disse tider. Interessant kan kunst af og i en bestemt tid være den, der genklanger gennem tiderne. Jeg tror, at disse værker og den større sæson, hvor de blev præsenteret, vil blive husket for det, de tilbød, da de tilbød det - en særlig og prisværdig ting.

Af Kathryn Boland fra Dance informerer.