Anmeldelser | April 2024

Brooklyn Ballet.

Actors Fund Theatre, Brooklyn, NY.
13. februar 2020.

I denne post-postmoderne tidsalder fejres og kritiseres både det moderne og det klassiske. Alle stilarter og kvaliteter er fair spil til at udforske. De konventioner og værdier, som klassiske og moderne værker afslører - det være sig de præsenteres sammen eller fra hinanden - taler til emner som repræsentation, privilegium og magt. Vi kan se måderne, hvorpå vores kultur har skiftet og udviklet sig, og hvordan den ikke har gjort det. Brooklyn Ballet's Revisionistisk historie II talte dristigt på disse måder gennem koncept og andre kreative valg.

marcia suzanne lawler

En restaging af det ikoniske Ikke fire fremhævede fire farvede kvinder (Paunika Jones, Miku Kawaruma, Christine Emi Sawyer og Courtney Cochran), en stærk erklæring om repræsentation og race i balletverdenen og ud over den. Derefter fulgte en kvartet med fire mænd i farve, der dansede forskellige stilarter af hiphop - omtrent så forskellige fra det originale romantiske balletværk, som man kunne få, mens man stadig var i samme struktur. Natten lukket med Vejkryds , et værk, der taler til den moderne bytilstand med konstant bevægelse og mangel på ægte fællesskab - moderne ballet med en solid klassisk base.

Ikke fire begyndte i det arketypiske tableau - niveauer, blik og port de bras vidunderligt udformet til æstetisk harmoni samt en balance mellem forbindelse og ensomhed for hver danser. Dansernes engagerede fokus var straks klar. Deres kostumer var i det samme tema (i farve, designstil, materiale), men hver danser havde noget lidt anderledes på - hvilket gav hvert et konkret tegn på individualitet.

De bevægede sig gennem solo-, duet- og gruppesektioner, som alle tilbyder deres egen bevægelseskvalitet og æstetik. En danser var især blid og klar. Den ene kom med en følelse af fokuseret, accent angreb. En anden havde en eller anden måde blød følelse af jordforbindelse. Endnu en anden havde en tydelig jovial, coy tilstedeværelse og en spændende bevægelse i hendes bevægelse.

Der skiftede flere svingninger, og jeg spekulerede på, om koreografi kunne have været ændret for at forhindre dette. Det forringede den dejlige klassiske koreografi og uforanderlige tilstedeværelse af de fire dansere. På den anden side skyldtes det måske stedets forhold - såsom et glat gulv eller belysning, der gør pletblæsning hårdt.

Alt i alt tilbød danserne dog dristig, hård individualitet såvel som harmonisk nåde. De var fuldt tilpasset deres gruppe og partnere. Jeg kunne høre deres pointe sko på tværs af scenen. Den strenge tekniske undervisning siger, at du ikke vil høre det, men denne effekt tilbød et andet auditivt lag, som jeg nød. Alle formationer var strukturelt klare og visuelt behagelige.

Arbejdet sluttede på et tableau, da det begyndte - de fire kvinder som deres egen unikke ånd, men i et glædeligt, harmonisk samfund med hinanden. Jeg reflekterede over billedets kraft her, fire kvinder i farve danser i et ikonisk værk, den ikoniske natur specifikt hvid. Jeg spekulerede på, hvilket farvet barn - eller en person i enhver alder, for den sags skyld - der kom til showet måske for første gang kunne se sig selv i ballet og blive inspireret til selv at sætte balletflader på.

Kvartet fulgte det med koreografi fra danserne og konceptet fra Lynn Parkerson (Brooklyn Ballet's Artistic Director). Fire farvede mænd (Michael “Big Mike” Fields, James “J-Floats” Fable, Bobby “Anime” Major, Ladell “Mr. Ocean” Thomas) dansede i en struktur, der lignede Ikke fire - hver i deres egen underskrift under den større paraply af hip-hop bevægelse. Man bevægede sig i en 'bøjning' -stil, bøjede og placerede samlinger på måder, der ikke syntes menneskeligt mulige. Den ene 'poppede og låst', accentuerede med styrke og frigav derefter. En anden spændte muskler i brystet, bagdelene og armene på komiske, lette måder, der fik publikum til at humre. Endnu en anden havde en jævnere, mere lyrisk stil, der vinkede jævnt og strømmer gennem hans led med rytmerne.

Interessant nok Ikke fire oversætter fra fransk til Kvartet . De begyndte og sluttede i et tableau af forskellige niveauer og former, ligesom det forrige stykke havde. Som en variation af sektioner i Ikke fire når danserne borrede rundt i en cirkel og vendte udad, gjorde mændene det samme, men på flade fødder og skiftende niveauer med armene bøjet ved albuerne (hvilket var visuelt og energisk tiltalende) . Musikken begyndte og sluttede med samme score som Ingen Qu til rte , alligevel mellem 'R & B' og hip-hop melodier ledsagede danserne.

Der var også mere humoristiske og teatralske øjeblikke i dette arbejde end i det foregående stykke, hvilket understreger det øgede sted for åbenlyst teatralitet i moderne, postmoderne og post-post moderne dans. Men ligesom det foregående stykke stillede det stærkt spørgsmålstegn ved klassiske og sociale opfattelser af dansekunst ved at tilbyde et behageligt, godt udført alternativ - bortset fra at være i en meget lignende struktur.

Vejkryds fulgte, et tankevækkende og veludformet arbejde om den moderne bytilstand med konstant bevægelse og mangel på ægte menneskelig forbindelse. Parkerson koreograferede dette værk. Dansere kom ind og gik ud og skiftede gennem parrede sektioner. Lyd af meddelelser fra MTA (New York Citys transportsystem) ringede gennem teatret. Dansere havde stiliseret hverdagstøj, hver i et lidt andet outfit (dog med nogle lignende stykker og mønstre). Alle disse valg og kvaliteter kombinerede hinanden for at danne en illustration af mennesker, der travlt og hurtigt bevæger sig rundt i et byrum.

Kvinderne havde pointe-sko og dansede i en mere klassisk stil, mens mændene dansede i mere hip-hop-stil. Parkerson opfordrede til lineære aspekter i begge bevægelsesstile for at skabe overbevisende partnerskab - såsom et motiv af mænd med deres arme lige ud som støtte og deres partnere arabesqueing bag dem. Andre gange flyttede de deres torsoer gennem firkanter, som mændene også lavede med armene. Et andet mindeværdigt motiv var partnere, der stod over for hinanden, og kvinderne rullede op til fuld pointe og derefter tilbage til flade - enkle, men rene, spændende og mindeværdige.

Danserne fortsatte med at bevæge sig gennem forskellige formationer og grupperinger, de MTA intercom-meddelelser spillede intermitterende. Da de ikke var, fulgte live cello (af Malcolm Parson) og trommer (af Killian Jack Venman) danserne. De resonante toner af disse instrumenter bragte en følelse af noget dybere under den ydre præsentation af pendlere i travl tilstand og de utallige sensoriske stimuli, der er til stede for byboende mennesker, når de pendler.

Dansere gik individuelt og i grupper, og lysene gik ned. Arbejdet sluttede, men det havde efterladt en ny vibration i rummet. Klassiske og moderne elementer i betydning og æstetik havde sammen virkelig efterladt et indtryk. Vi kan ære fortiden, mens vi arbejder på at rette op på dens skadelige forkerte, så godt vi kan. Kunst kan være et sted at starte.