DeAnna Pellecchia. Foto af Liz Linder. Der er et uden tvivl vittigt, men alligevel klogt svar derude på det afvisende 'Min barn kunne tegne det!' - ”Nå, han / hun gjorde det ikke . ” Dette er til dels en påpegning af, hvordan 'ekspressionistiske' kunstnere, hvis arbejde i starten måske ikke synes at tage meget dygtighed, alle blev klassisk uddannet, inden de flyttede væk fra den klassiske skabelsesmetode. Det gælder også dansere, vi skal få en teknisk ramme for at være i stand til at lade det gå. Med et teknisk fundament kan vi dansere lade vores sind og ånd skinne gennem vores højt kvalificerede krop. Det er da virkelig meningsfuld kunst kan ske. Det var inde i os hele tiden.
Alligevel er processen med at lære, hvordan man gør det, hvordan man har et fundament af teknik, der lader ens sande selv opstå gennem bevægelse, en vanskelig proces for mange dansere. Når man får vejledning til at bevæge sig inden for en ramme, snarere end at give bevægelsen trin for trin, tæller ved tælling, fryser nogle dansere - undertiden metaforisk, undertiden bogstaveligt. Det er vigtigere end nogensinde for dansere at hæve sig over den frygt og stasis, vi bliver bedt om at være mere og mere alsidige og være aktive agenter i skabelsen af arbejde hele tiden.
Postmodernisme fortsætter også med at udvikle sig, måske forvandle sig til en ny slags 'post-postmodernisme' med en eklekticisme af bevægelsesidiomer og tilgange. Inden for denne sammenhæng udvikler og forbedrer koreografer kontinuerligt improvisationsstrukturer og andre måder, hvorpå improvisation former dansedannelse.Dance Informatalte med tre koreografer om improvisationens roller i deres kreative processer, hvordan de støtter og plejer deres dansere gennem dette arbejde og mere.
Sheena Annalize, grundlægger, ejer og kunstnerisk leder af Arch Contemporary Ballet (New York, NY)
Sheena Annalize (til højre) med dansere fra Arch Contemporary Ballet. Foto af Noel Valero.
kiele sanchez nettoværdi
”Al min koreografi stammer virkelig fra improvisation. Jeg kommer ikke ind i en øvelse efter at have planlagt bevægelsen. Nogle gange har jeg et flow eller en oversigt, men det faktiske frasearbejde kommer mere eller mindre bare ud i en prøve-og-fejl-proces. Jeg begynder at bevæge mig, og danserne følger, hvad jeg laver. Hvis jeg ikke kan lide hvad der sker, ændrer jeg det og prøver noget nyt, ellers kan en danser ved et uheld gøre noget andet og få alle til at prøve det som dem. [Improvisation] skaber unik bevægelse, der er organisk for mine dansere.
Det skaber ubegrænsede muligheder, fordi du er i stand til at forme og forme bevægelse og fortsætte med at skubbe dit eksisterende sætningsarbejde til et bedre resultat. Improvisering er også en forbedring af eksisterende arbejde ved at tage en sætnings knogler og tilføje kød til den. [Det] giver plads til forandring. Jeg beder altid danserne om at bruge de knogler, jeg giver dem som en retning, og om at tilføje kødet selv. Improvisation er mere end bare at bruge dit dansevokabular eller bevægelse, som du er fortrolig med, det handler om at udforske det ukendte. Det er en chance for at teste din krops begrænsninger, udforske hvad hvert stykke af din krop kan gøre, og hvordan det bevæger sig.
Dette er svært for [dansere i] en dansegenre, der ikke udforsker denne mulighed meget under træning. Jeg til tider opmuntrer mine dansere med vejledende instruktioner. For eksempel vil jeg tage noget og bede dem om at gøre en del større eller tænke på at bruge en anden lem til at skabe den samme bevægelse. Derfra overtager fantasien til sidst som en gnist, der antænder en skovbrand i studiet. ”
Stephanie Pizzo, kunstnerisk leder og tidligere selskabsmedlem af Eisenhower Dance (Detroit, Michigan)
Stephanie Pizzo. Foto med tilladelse fra Pizzo.
”Improvisation er vigtig i min koreografiske proces, da spontanitet kan skifte rammen for arbejdet miljøet og dets omgivelser kan skabe nye uforudsete veje. Det mest glædelige aspekt ved improvisation er, at det ikke har nogen grænser! I øjeblikket, i realtid, er det, når overraskelserne kan materialisere sig. Det er det 'uforudsigelige', der kan overskride værket! Når du som koreograf kan guide dine dansere / kunstnere gennem et struktureret improv og kultivere bevægelsesordforråd, der strækker dem ud over deres begrænsninger, kan det være inspirerende. Når kunstneren deler deres personlige stemme, giver det dem en følelse af ejerskab. Der er en ærlighed og naturlighed, som kunstneren omfavner, når de optræder. ”
DeAnna Pellecchia, grundlægger, ejer og kunstnerisk leder af KAIROS Dance Theatre (Boston, MA)
”Når jeg taler om improvisation, kan jeg først tænke på, hvordan jeg hadede det, da jeg først blev introduceret til det på college. Jeg vil altid springe disse klasser over. Så kom jeg derude i danseverdenen og fandt ud af, at det er, hvordan alle arbejder. Og jeg ville ønske, at jeg var gået til disse klasser! Jeg kan også godt lide at fortælle mine dansere en historie om en af de første koreografer, som jeg dansede for. Hun arbejdede gennem improvisation, en metode kaldet Listening Strategies. Det hele var skræmmende nyt område for mig. Jeg spurgte hende: 'Hvad hvis jeg ikke træffer det rigtige valg?' Og hun svarede: 'DeAnna, hvis du kunne træffe det forkerte valg, tror du, du ville være her?'
DeAnna Pellecchia. Foto af Liz Linder.
Det var et kæmpe øjeblik for mig, fuldstændig bemyndigende og skiftede bare alt. Det meddelte, at hvad jeg end gjorde, på grund af hvad jeg allerede havde, og hvem jeg allerede var, ville være smukt. Det perspektiv former, hvordan jeg arbejder den dag i dag.
Når et værk præsenteres, er det i sidste ende min æstetik, men det har lige så lidt af alle mine dansere i sig. Alle føler en lille smule ejerskab, hvilket er validering og bemyndigelse. Det endelige mål er, at danserne ejer det, de laver. Det bringer en ægthed, der også kommer fra et sted med sårbarhed. Jeg tror, at den bedste kunst har det, fordi det er noget, publikum virkelig kan forbinde sig med. '
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
anbefalet til dig
