The Sanctuary Theatre, Cambridge, MA.
29. oktober 2016.
Med modenhed og sofistikering kommer det at vide, at mindre kan være mere. Understatement kan sige mere end overstatement. Med hensyn til kunst giver antydning snarere end at fortælle publikum at overveje deres egne fortolkninger af et værk. Vi er i en tid, hvor sociale medier og fjernsynsdans har kunstnere, der vækker offentligheden med atletiske bedrifter såvel som at trække i hjertet med dramatiske historier. Massachusetts-baserede Jose Mateo Ballet Theatres program Drivende styrker på den anden side viste kontrol over flash og mysterium over indlysende angst.
Det første stykke, Mozart provokerede , begyndte med meget klassisk teknik, iscenesættelse og performanceegenskaber. Visse sektioner kunne have været transplanteret fra en balletklasse under centerarbejde. Et scenografi, der var meget geometrisk - spændende, men alligevel rent og simpelt - signaliserede skift væk fra klassicisme. De kom med jazzede flair i koreografi og uventede gruppedannelser. I de første trioer og kvartetter var kvindelige dansere teknisk fejlfri. Deres udvidelser var ikke skyhøje, men kontrollerede og rene. Unison dele kunne dog have været mere unison.
Med alle mandlige sektioner var den enighed der, men ofrede danserne måske magt og personlig signatur i deres bevægelse for at opnå det? Selv med begge meget små mangler var dansen smuk at se på. Det så ud til at understøtte en undertekst mellem følelsesmæssige forbindelser og tilknytninger mellem linjerne. Et mand-kvindelige par udforskede romantikens potentialer, og en danser brød ud af flokken for at stramme hendes ting.
Uventede fodgængerbevægelseselementer (som ofte ses i nutidig dans), såsom at gå hæl-tå, talte om at bryde fra konventionen. Var dette et kig på dansernes mentale dialog under teknikundervisningen? At stoppe kort for åbenlyse og holde tingene undervurderede tillod sådanne fortolkninger.
Danserne viste mere personlighed og karakter i det andet stykke, 1796 (2015) . (Musikken blev tilpasset i 2015 fra en Mozart-komposition fra 1796.) Selvom den var lidt mere klar, blev den underliggende historie stadig ikke dikteret. Spændende formationer, såsom to kvindelige dansere sammen på scenen og en mandlig danser hver højre-ned-scenen og venstre-up-scenen, skabte rumlig spænding. Det talte om skift i forholdet mellem dem. Dansende med kontrol og nåde behøvede de ikke at foretage et utænkeligt antal drejninger for at formidle disse ting. Faktisk kunne sådan flash bare have været en distraktion.
Kostumer havde også den effektivt diskrete kvalitet. Kvindelige dansere var for eksempel i forskellige nuancer af lyserød / lilla (magenta til hindbær). Det størknede dem som enkeltpersoner i et kollektiv. Deres unikke bevægelsessignaturer understøttede førstnævnte - en med en meget stolt brystvogn og en anden med en unik energi i fodarbejde, for eksempel.
De forskellige farver hjalp også med at skelne dem som specifikke tegn - nyttigt når en kærlighedstrekant voksede. Efterfølgende pas de deux fastslog, at kvinden i forholdet fandt ud af det efter utroskab (eller i det mindste en vis grad af at undersøge dets mulighed). Og var ikke tilfreds. Til sidst var det dog manden, der gik. Dette var en spændende ny måde at fortælle en gammel, endda banal fortælling på.
Det tredje og sidste stykke, Igen og igen , flyttet til en Philip Glass-komposition. Musikken så ud til at sætte tonen for temmelig moderne bevægelse, men alligevel var meget af det klassisk. Dette fungerede dog med en intelligent blanding af klassisk, jazzy og nutidig bevægelsesordforråd. En bøjet håndflade opad gennem den anden arm (der var bøjet ved albuen og den hånd i hjertet) blev for eksempel en signaturbevægelse.
Dansere udførte den samme bevægelse på forskellige tidspunkter og på deres egne måder. Det understøttede en overordnet idé om, at danserne var i et sammenhængende kollektiv, men alligevel hver autonome individer. Stykket syntes at give en spænding mellem disse to måder at være på. Specielt målrettet, veludført afskaffelse og blik hjalp med at holde denne spænding håndgribelig. Smart iscenesættelse understøttede disse elementer. Et slående øjeblik var for eksempel med to dansere, der gik bagud på en diagonal ind i hinanden og så langsomt stirrede og vendte sig mod hinanden. Det talte romaner, langt mere end noget skyhøjt spring kunne tale.
Stykket sluttede, da det begyndte, med en eneste danser på scenen. Hun udførte den signaturbevægelse op til himlen som om at bede om himlen. Denne handling kombineret med det samlede tilbud fra stykket antydede, at vi virkelig er i vidunderligt samfund med medmennesket - men alligevel alene i vores unikke bevidsthed. Det er en indre kraft, som nogle gange er i konflikt med de eksterne kræfter rundt omkring os.
Med underdrivelse, visdom og kreativitet portrætterede Jose Mateo Ballet Theatre begge slags kræfter som drivende. Vi drives og tvinges, når vi har lov til at opdage nogle af svarene for os selv - i kunsten og i livet. Derefter vokser vi og vokser de samfund, hvor vi vil bo.
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
Foto (øverst): Jose Mateos 'Impelling Forces'. Foto af Gary Sloan.
