'Dans +'. Foto af Anna Hull. 27. september 2019.
Center for Performance Research, Brooklyn, NY.
En klog dansekunstner, som jeg engang har interviewet, diskuterede skabelse af 'empatiske adgangspunkter' for alle typer publikummere - ting og måder at præsentere dem på, som alle kan finde et forhold til. Amanda + James's Dans + brugte bevægelse, tale, musik og teaterelementer til at tilbyde publikum medlemmer disse adgangspunkter. At adgang var til forskellige følelser, nogle af dem dybe, personlige og vanskelige, men blev præsenteret på en universel snarere end en isoleret måde. At skabe og udføre med åbenhed over for personlig sårbarhed syntes at være roden til denne uhindrede deling. Amanda + James er et ”åbent miljø for tværfagligt samarbejde [og], der udløser samtaler mellem voksende kunstnere på tværs af så bred en række kunstneriske discipliner som muligt og tilskynder til mangesidede perspektiver gennem den kreative proces.”
I mit sted , koreograferet og fremført af Kristi Cole, sætter en tone for denne sårbare deling. Hun begyndte at sidde på en plastik presenning og bevægede sig fremad og tilbage gennem sin torso og formidlede uro. Valget af plast fik mig til at tænke på kunstighed - meningsfuldt tilsyneladende ikke på kunstneren, men på hendes omgivelser. Cole blev spotlight, men ikke helt lyst, hvilket bidrog til en mystisk og ildevarslende atmosfære. Hun bar hvidt og off-white, noget med flere muligheder for fortolkning - renhed eller en blank skifer åben for fyldet, for eksempel. Hun strakte benene ud, men forblev lave og bevægede sig rundt om den firkantede presenning i et firkantet mønster - smidig og beslutsom men stadig urolig.
Ved siden af hende var der en spand vand, og hun dykkede hele hovedet ind og gispede, da hun trak den ud og vendte sit våde hår bagud.
bryton myler
I sine programnotater henviste Cole til 'at bruge sin erfaring som en queer kvinde til fysisk at undersøge ... det universelle menneskelige ønske om at indtage lige plads og derfor lige værdi i verden.' Den fysiske fornemmelse, der er involveret i hovedet dunked i vand - omgivet, ude af stand til at trække vejret, i panik - tilpasse sig denne følelse af at skulle stille spørgsmålstegn ved, hvor meget plads man har lov til at tage i verden, der kan være en primær, kropsbaseret angst frygt for ens velbefindende - og endda eksistens - i en sådan tilstand af marginalisering. Cole tangillerede denne følelse i bevægelsesydelse ganske visceralt og mindeværdigt.
Snart rejste Cole sig og bevægede sig gennem rummet - i en glat cirkulær sti, der fremkaldte en følelse af harmoni. Alligevel viste hendes bevægelse på et kinesisk (kropsniveau) stadig noget urolig. Denne kombination af kvaliteter fik mig til at tænke på, hvor mange mennesker derude i verden ser ud til at være veljusterede og højt fungerende, men alligevel i deres sind og / eller i deres mest personlige øjeblikke, de gør ondt og kæmper. Cole udførte virtuosiske bevægelser, som et kraftigt spring og en slående tønde, der fik mig til at se mere af det, der var klart, hendes krop kunne gøre. Alligevel var jeg også opmærksom på, at flere højtflyvende bedrifter kunne forringe den magtfulde følelse og budskab, som Cole måtte dele.
Partituren, 'Memory Board' af Rachel, skiftede til Amy Winehouse's 'Our Day Will Come'. Cole bevægede sig med mere styrke og en ny følelse af selvtillid - alligevel stadig en agitation. Sangen blev afviklet, og hun vendte tilbage til plastpresenningen. Hun begyndte at græde, at skæve lige, hoved i hænder. Dette valg føltes som en akut tilbageførsel fra 'happy ending' -opløsningsnormen i narrativ kunst - en overbevisning og påstand om, at ting nogle gange bare ikke ender.
Sådan dristig sandhedsfortælling er ikke nødvendigvis let for ethvert publikum at opleve, især for dem, der har oplevet alvorlige psykiske problemer eller har nære kære, der har. Jeg spekulerede på, om en triggeradvarsel var i orden. Alligevel kommer jeg fra dette sted med heteronormativt privilegium også med dette ydmyghed, et ønske om at lytte og en respekt for Cole som en selvstændig kunstner. Jeg sætter stor pris på hendes dygtige udformning af kunst, der lader os komme ind i sin verden og hendes kampe med sådan åbenhed over for at være sårbar.
scott rogowsky wiki
Næste (inden pausen) kom NeurHOTics ' BEDRE , et værk fyldt med lys, teatralsk humor samt sårbarheden for at dele dybere smerte. Duoen, Sara Campia og Abby Price, 'undersøger, hvor lammende angst møder unødvendig seksuel adfærd.' De kom på bantering, puttering og rensning af rekvisitterne og våde områder fra Coles arbejde. De havde noget afslørende kostumer på, men intet usmageligt - udsatte maver og korte shorts. Deres kostumer følte sig tilpasset deres humoristiske karakterer og deres virksomheds fokus.
Pludselig indså de, at det var deres tid til at optræde, selvom de ikke 'havde tid til at øve ... men ok, vi kan gøre dette, vi er professionelle' - angsten i deres stemmer og kroppe er dog stadig åbenbar. Det var en type angst, der kan bringe latter, og publikum humrede med. 'Pump-up', 'pop' -musik kom op, og de dansede. Det var cheer / pom, konkurrence stil dans, udført på en måde, der fik publikum til at grine endnu hårdere. De sparkede høje, drejede hofter og vendte med tydelige forberedelser (medbragte lidt danserspecifik humor, noget 'meta', hvis du vil). Det hele var bevidst og effektivt humoristisk - selvom dybere usikkerhed og angst var tydelig.
Hvad der føltes effektivt i denne tilgang var en behagelig emballage af noget sværere at tage i, men alligevel en vigtig illustration. Snart bragte man en kage frem - ja, en ægte, spiselig kage - og tilbød publikum stykker ('nogen vil have kage?'). Dette afsnit fremmede denne tilgang til en behagelig præsentation af noget sværere og dybere. Publikums medlemmer lo hårdere i stedet for at acceptere stykker.
Der var en 'brud på den fjerde mur', et direkte engagement med publikumsmedlemmer, her - desuden en, der udfordrede traditionel dekoration og normer omkring publikums etikette. (”Kan vi acceptere noget kage? Må vi spise herinde? Giver de virkelig kage ud?” Spurgte nogle tilhørere sandsynligvis sig selv.) Som svar blev de triste og sagde ”ingen vil have kage” og spotte- græder (alt humoristisk leveret).
open call dansekonkurrence
Den sociale usikkerhed her var klar og skarp, selvom den blev leveret på en måde, der bragte publikums latter. Åbenheden for sårbarhed ved roden til denne deling var også tydelig, og noget jeg finder prisværdigt. Til sidst skubbede de kagen i ansigtet og kastede den mod hinanden - madkamp! Den skarpe kontrast til det forudgående stykke, Coles solo, var spændende, værkerne var begge fulde af sårbarhed og dybde, men blev alligevel leveret så forskelligt (med hensyn til stemning, atmosfære, tempo og æstetik). Hver havde deres egne værdifulde, rodfæstet i sårbar følelsesmæssig deling.
Amanda Hameline's 26. juni 2009 lukkede natten, et gribende arbejde med bevægelse, tale og musik til at dykke ned i kamp med spiseforstyrrelser, kropsbillede og offentligt image. Til at begynde med gik Hameline fremad i høje hæle, korte shorts og bare mave - hvilket fremkaldte et højt niveau af selvtillid i kroppen. Senere hukede hun sig indad, skjulte sig og forsøgte at få ekstra tøj til at dække mere af hende, troede den tillid. Tekst, hun talte, beskrev bulimi og (hjerteskærende) ukloge reaktioner på hendes adfærd (formodentlig fra en ven eller et familiemedlem) samt minder fra spiseforstyrrelsesbehandling.
Forestillingen, ligesom Coles arbejde, sukkercoating ikke noget vanskeligt - men måske kan 'sugarcoating' (måske med faktisk, ægte kage) gøre det hele nemmere for nogle publikumsmedlemmer. Uanset hvad er viljen til at være sårbar det, der fremmer en sådan ærlig deling. Disse kunstnere havde det såvel som en evne til at forme det, de præsenterede, til noget æstetisk behageligt eller overbevisende. Koncept, den rigtige holdning og tekniske facilitet - stor kunst tager det hele. Det hele blev udstillet på denne udgave af Amanda + James's Dans + .
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
aladdin magiske tæppe broadway
