Paulo Arrais og Irlan Silva i Wayne McGregors 'Obsidian Tear'. Foto af Rosalie O'Connor, med tilladelse fra Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
3. november 2017.
Spændingen mellem individets vilje og gruppens er lige så gammel som tiden. I klassisk dans er derCorps de balletog solister. Traditionelt setlegememedlemmer skal sammen komponere en samlet helhed, mens solister har til opgave at inkorporere fulde og mindeværdige karakterer, arketyper eller ideer. Nogle værker af dansekunst kan bruge denne struktur til at skildre forenede grupper og dem, der afviger fra dem, de 'mavericks', der vover at farve uden for linjerne. Det ser ud til at være blevet vist muligt selv i ballet udformet i en mere moderne vene.
zahra elise race
Boston Ballet i Wayne McGregors 'Obsidian Tear'. Foto af Rosalie O'Connor, med tilladelse til Boston Ballet.
Boston Ballet demonstrerede en sådan tilgang til stor succes i Obsidian rive - inklusive titelværket fra Wayne McGregor og verdenspremieren på Femte symfoni af Jean Sibelius fra Resident Koreograf Jorma Elo. Det generelle fokus, leveret med specificitet, men alligevel mangesidet nuance, der er åben for fortolkning, synes ganske forkert i 2017, hvor forskellige socio-politiske kræfter får os til at overveje, hvordan vi afbalancerer at betjene individets liv og det bredere kollektives blomstrende.
Oxford Dictionary definerer 'obsidian' som 'en hård, mørk, glaslignende vulkansk sten dannet af den hurtige størkning af lava uden krystallisering' - et nysgerrig ord for titlen på en ballet. Dette kombineret med den storslåede og dramatiske foregående ouverture ('Finlandia' af Jean Sibelius, ledet af gæsteledende Daniel Stewart), og vi publikumsmedlemmer vidste ikke, hvad de kunne forvente. Alligevel vidste vi, at vi var på tur. De første dansere var i sort, med en i rød - en farve, der stak ud som levende og unik. Andre dansere sluttede sig, men alle i sort og ingen med denne iøjnefaldende røde (kostumer samlet af modekoordinator Katie Shillingford). Den eneste røde måtte betegne noget. Der skulle komme noget stort.
McGregors bevægelse i dette stykke var som ahornsirup - oser på en vedvarende måde, men med en eller anden måde skarp og slående sødme. Et net af det klassiske og mere fælles-initierede samtidige byggede måske denne kvalitet. Musikken fletter sig selv igennem denne bevægelse med en kontinuerligt slingrende kvalitet. Omvendt, mens danserne bevægede sig, syntes forskellige grupperinger at indeholde forskellige harmoniske dele i musikken - høj og lavere, skarp og mereordsprog.
Bevægelsen var også ret formdrevet - nogle gange de mere komplekse og uklare for øjet, på andre tidspunkter mere geometriske og endelige. Det blev en give-and-take, en balance mellem det definerede og det noget udefinerbare. En virkelig mindeværdig form, visuelt forbløffende, men også tilsyneladende talende til forbindelsen mellem danserne, var arme, der dannede en løkke (dansere, der holdt håndled) og løkken løftet op til scenen. De udgav dette for at genoprette loop i en anden variation.
Boston Ballet i Wayne McGregors 'Obsidian Tear'. Foto af Rosalie O'Connor, med tilladelse til Boston Ballet.
nick fink alder
Senere gik de samme to sammen fra scenen - to dele af en helhed syntes det. Alligevel var danseren i rødt aldrig engageret i denne form for forbindelser. Derudover sluttede flere dansere sig til og førte ham til en afsats - en af sort, skarp, tyk og stærk sten. Obsidian . En kampspænding steg. En danser strakte armen ud som om at gestikulere ”frem, mænd!” Bevægelsen voksede derefter hurtigere, mere geometrisk og mere vinkelret - albuedrevet med bevægelser i forskellige plan og retninger. Det hele føltes ret mekanisk. Danseren i rødt blev endelig ført til kanten af afsatsen. Spændingen ramte sit højdepunkt, da han måtte stå der som en magtfuld, kommanderende dans (i en duet og solo) spillet under ham. Der syntes ikke at være nogen flugt.
På en underlig uhyggelig måde gik en danser langsomt over scenen. Det mindede om den langsomme march mod dødelighed. Slutningen tilsyneladende så tæt på denne outsider i rødt, at den var håndgribelig nok til at blive afspejlet i fysisk form. Danseren på afsatsen forsøgte at flygte, men blev derefter skubbet ud i en ukendt afgrund. Derefter kæmpede en anden danser for livet - en repræsentation af den, der faldt, eller en af empatisk forbindelse mellem dem som begge levende, følende mennesker?
Over denne danser begyndte en duet af tung og jordet bevægelse med spændt, men alligevel udført vægtfordeling. Dette afsnit, såvel som meget andet om stykket (såsom nogle i en mandlig rollebesætning iført temmelig feminine kostumer) brød uhyggeligt gennem kønsbestemte grænser, alt mandligt partnerskab omfattede former og bevægelse, der historisk blev danset af kvinder. Det hele syntes ikke at henlede opmærksomheden på sig selv, da det ikke syntes at være hovedfokus for arbejdet. Køn syntes bare ikke at have noget at gøre.
robin dearden alder
Det, der syntes at være mere det pågældende punkt, var behandlingen af denne ene danser i rødt - udstødt, ødelagt og endelig skubbet til hans død. Også betydningsfuldt var, hvordan en hovedleder for denne behandling sprang ud af afsatsen selv i slutningen - lys og musik skar pludselig ud, og gardinet faldt hurtigt for at føje til chokket ved at observere den helt uventede handling. Én takeaway - nogle gange skubbes vi, og nogle gange springer vi. Vi er færdige med, og vi gør mod os selv. En anden er, at de, der mobber og udstødte de sårbare i sidste ende også gør ondt i sidste ende. Uanset hvad tilfældet måtte være eller endda uden noget særligt moralsk budskab at udlede, var det enestående og slående kunst at opleve.
Boston Ballet i Jorma Elo's 'Fifth Symphony of Jean Sibelius'. Foto af Rosalie O'Connor, med tilladelse til Boston Ballet.
Jorma Elo's Femte symfoni af Jean Sibeluis var mærkbart mere traditionel, men havde sin egen slags moderne bøjning. Det begyndte virkelig med et brag med risiko for kliché - men en, der på ingen måde var kliché. Fra starten smeltede formationer ind i hinanden på meget slående, innovative måder. Det var en anden slags kontinuerlig bevægelse, end man så i McGregors stykke snarere end individuelle grupperinger, der kontinuerligt bevægede sig i specifikt frasearbejde, det overordnede scenebillede var konstant omskiftende, skiftende og udviklende. Med smart sætning, forskellige par mandlige og kvindelige dansere, i grønt og rødbrun (kostumedesign af Yumiko Takeshima) flyttet inden for disse formationer. Dette phrasework blev punkteret af et par bestemte bevægelsesmotiver og former, herunder “V” arme, “saks” ben med dansere løftet (for næsten at skabe en følelse af at flyve).
Det hele føltes stort set klassisk, men alligevel lilting extensions og formgivning i partnerskab følte overbevisende moderne. Noget betydningsfuldt følte sig dog helt divergerende fra klassiske plotte balletstykker. En danser i blåt (Ashley Ellis), der ikke havde en partner, dansede sin egen unikke bevægelse. På et tidspunkt sad Ellis for eksempel, drejede og trampede fødderne som om hun cyklede. Hindrede hendes ensomhed hende i at flyve og holdt hende jordet, mens de med andres støtte kunne flyve?
Enheden i gruppen som helhed var ikke så afgjort i begyndelsen, dansere i klare linjer bevægede lemmer overalt - et organiseret kaos. Alt dette forvandlede sig til en klarere forening - kanon, grupperinger og lignende. Ellis 'karakter syntes imidlertid ikke villig eller i stand til at definere sig selv inden for den forenede identitet. I et smukt afsnit sprang for eksempel dansere i glat krydsende linjer. Danseren i blå tog dog sin egen vej.
Derek Dunn og Hannah Bettes i Jorma Elo's 'Fifth Symphony of Jean Sibelius'. Foto af Rosalie O'Connor, med tilladelse fra Boston Ballet.
I sidste ende kom gruppen for at slå et vidunderligt tableau - alligevel sad danseren i blåt og peddede benene. Hun kom aldrig til virkelig at deltage i gruppen. Alligevel var der et smil bredt over hendes ansigt. Hun syntes at være i ensomhed, men ikke ensomhed. Derefter demonstrerede arbejdet i forbindelse med McGregor's en mangfoldighed af oplevelser.
open call dansekonkurrence 2016
Der er udstødelse og angreb fra outsideren, ofte båret af frygt - ofte for forandring, for at miste det, man har haft. Der er også når gruppen og outsideren er tilfredse med deres egen identitet og nuværende oplevelse. Vores verden (måske mere nu end om længe) står i øjeblikket over for disse spørgsmål om, hvordan vi afbalancerer individets og gruppens behov, pakkeens velfærd og udenforstående - måske nu mere end den har gjort i lang tid .
Kunst er, når det er bedst, et spejl med flere paneler, der afspejler virkeligheden som den er - eller hvordan den kunne være. Dans, med adgang til kraften i legemers uendelige muligheder i rummet - sammen med disse kroppers sind og ånder - har måske stadig en unik evne blandt kunstformer. I Obsidian Tear, Boston Ballet udnyttede denne magt med præcision og nåde.
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
anbefalet til dig
