Cleo Macks 'Arrangement'. Foto med tilladelse til Dance Now's Dance-mopolitan Encore Series. Joe's Pub, New Yor, NY.
11. januar 2020.
Danskunst med autentisk humor og hjerte forbliver virkelig med mig - jeg føler det, lever i det, husk det. Det minder mig om, at vi med alle vores separate identiteter og (opfattede?) Splittelser alle er mennesker. DANCE NOWs Dance-mopolitan's Encore Series, gennem en talentfuld vært og hjertefyldte forestillinger, tilbød denne form for dansekunst. Joe's Pub sørgede for en indbydende atmosfære, hvor publikum kunne spise og drikke, mens de så showet. En let og glad atmosfære fyldte rummet. DANS NU “skab inkluderende destinationsbegivenheder, der fylder med innovation og de ubegrænsede forestillinger fra et samfund af multi-generations dansekunstnere.”
Det første stykke, 'SoLo' (2019), satte tonen for teatralsk kvalitet, hjerte og humor i mange af de kommende stykker. Mark Gindrick, i en fedora, blå sportjakke og jeans sagde 'sang en' i en mikrofon. Han lip-synkroniserede en linje og derefter på ordet 'falde', faldt til jorden, lyser ud. Dette valg etablerede slapstick-stilen for arbejdet. Publikum humrede over denne uventede begivenhed. Alligevel, nogle få sekunder senere, stod han tilbage og tændte igen.
Han begyndte lip-synkronisering af en dramatisk ballade om ubesvaret kærlighed - hovedet kastet tilbage med en bred holdning og trak mikrofonen tilbage med ham i rockstar-stil. Hans tilstedeværelse var dramatisk humoristisk, og belysningen lav for at matche stemningen. Flere 'dansende' sektioner fik ham til at bevæge sig i jazz-inspireret bevægelsesordforråd, humoristiske detaljer som at slå den ene hånd til bagsiden af den anden, mens han passerede og markerede en tur.
Sangen omtalte denne kvinde, genstanden for hans kærlighed, som 'vinden'. En mand i et headset, formodentlig teatralsk 'teknisk' personale, fik en vindeffekt til at ske ved at ruffe sangers tøj. Publikum humrede over denne effekt. Det var en del komisk selvudøvelse, der skabte humor ud af at omfavne 'lavbudget' kreative tilgange, og del 'meta' -kommentar, hvilket gav et vindue til processer bag at bringe dansekunst til liv.
Antien ville blive hævet, den 'tech' fyr fik en bladblæser og blæste den mod sangeren, der endda tog luften i munden for at sprænge kinderne op. Publikum spiste det op, mens latteren ringede gennem teatret. For at afslutte blæste teknikeren sangeren ud af scenen og tog centrum. Det så ud til, at han nød publikumets opmærksomhed, før han bøjede og satte kursen. Publikum jublede denne mand, en som vi ikke ville forvente at være i rampelyset nu i blødgøring. Stykket åbnede også kløgtigt og glædeligt op for forestillingen om hvad 'dans' er og kan være.
Værten, Trudee, dansede næste gang. Hun flyttede livligt til popmelodier, dansede med teknisk kommando, men også en afslappet social dansesmag. Fra trinberøringer til kæmper til signalering af et tegn på en drejning (med den ene hånd, der rammer bagsiden af den anden, mens de er i pasning, hvilket bringer tilbage det 'meta' touch fra første stykke), forpligtede hun sig til alt det med glæde og fuld energi .
Hendes kjole var lyserød og hvid med et lille lyserødt skuldertræk. En 'fauxhawk' og glitrende smykker afsluttede hendes 'look'. Hun begyndte at tale med en accent i Long Island, New Jersey, højlydt og naseret. Karakteren var klar, næsten arketypisk. Hun talte om at elske alle kunstnerne, alle vidunderlige mennesker, der var fremragende til det, de gør. Publikum humrede, den slags latter der kommer fra hjertet.
Derefter kom en sjælfuld, mindeværdig duet - ”et portræt af dem”, fremført af Ryan Rouland-Smith og Nicole Vaughan-Diaz og koreograferet af Vaughan-Diaz. Vaughan-Diaz stod bag Rouland-Smith, der sad i en stol. De udførte bevægelser, der talte for at komme tættere på og længere væk fra hinanden - en hånd til en skulder, en placering af den hånd længere væk. De bevægede sig gennem disse bevægelser hurtigere og større, indtil de var ope fra deres stole og bevægede sig gennem rummet. Deres tilstedeværelse forstærkede følelsen af højt drama og følelsesmæssig usikkerhed, der kan komme med urolige tider i forhold.
Deres enkle tøj i jordfarver og ligetil, men alligevel dramatisk klaverpartitur supplerede atmosfæren godt. De flyttede ind i yderligere fly og niveauer i rummet og dansede mod og væk fra den stol. Bevægelse udvidet på det oprindelige øjeblik af hånd til skulder. Lemmernes vinkler blev understøtninger til elevatorer - en overarm blev en hylde, en bøjet albue, der virkede for at sikre. I en mindeværdig bevægelsessætning flyttede en bagbøjning ind i et understøttet fald i en anden lift. Bevægelsen og udførelsen af den var dristig og engageret. Konflikt mellem kærlighed og animus resonerede gennem det hele. Arbejdet efterlod mig i et tankevækkende, men også følelsesmæssigt ramt, rum.
Trudee vendte tilbage et par gange og fortalte os om forskellige kunstneres 'mikrogenrer'. En kommende performers var 'limbgevity', forklarede hun i 'Duet'. Gus Solomons, Jr., brugte en rullator og interagerede med en marionet. Han begyndte at vende tilbage, og dukken viste hovedet. Han vendte sig om og bevægede sin marionet på hjertevarmende relationelle måder: marionetten 'gik' op ad armen, kramede ham om halsen og syntes at spille skjult. I programnoterne tilbød han taknemmelighed til “DANS NU for at lade mig beholde titlen koreograf”. Værket var en rørende skildring af muligheden for ekspertise inden for dans og bevægelse i alle mennesker.
Cleo Macks 'Arrangement' - et opfindsomme arbejde konceptuelt, æstetisk og konceptuelt - lukkede programmet. Blair Ritchie, Kelli McGovern og Mandi Stallings fra Rock Dance Collective dansede det. Arbejdet stak huller i mange nutidige dansekunstneres påstand om, at brug af en score med tekster er et risikabelt - måske endda ikke tilrådeligt - valg af den klassiske sang 'Er det alt, hvad der er?' styret mening og atmosfære. Værket var overbevisende blandt andet på grund af dansernes holdning til ennui og utilfredshed - som passer til sangen. Også på linie her havde de sorte kjoler med perler, øreringe og lave, beskedne hæle - og noget blanke udtryk.
De startede ved stole, og disse stole var en jordforbindelse, som de vendte tilbage til - den jordforbindelse i ennui. Også at fange mit blik var effektiv brug af en basisbevægelsesfrase let manipuleret og gentaget gennem arbejdet - armene svingte til at danne en vinkel, den ene faldt, mens den anden fangede hende og den anden vendte. Dette valg forstærkede den følelse af ennui gennem en cyklisk natur, en følelse af at vende tilbage til den samme gamle ting og måske intet nogensinde virkelig skiftende.
Noget ved det hele - måske teksterne kombineret med atmosfære og dansernes dramatisering - fik mig til at fnise. Jeg følte det hele dybt på samme tid, dog følelsen af stasis, og at der på en eller anden måde skal være noget mere ud af livet. Humor, hjerte, nogle store bevægelser - og åh ja, lyserøde pailletter - det hele kom sammen for at gøre DANCE NOWs Dance-mopolitan's 'Encore' Series til en tilgængelig, behagelig eftermiddag med dansekunst. Det var den slags dansekunst, der byder alle velkomne, og hvem vil ikke føle sig velkomne? Da danseverdenen springer frem, er det ikke noget, der skal glemmes eller kastes til side. Trudee formulerede det godt - opmuntrende til individualitet og selvaccept, hun mindede os om aldrig at 'glemme dine mikrogenrer.' Vi har alle brug for den påmindelse nogle gange.
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
