Alvin Ailey American Dance Theatre. Foto af Andrew Eccles. New York City Center, New York, NY.
6. december 2019.
Sofistikeret, tankevækkende dansekunst - og programmering af dens præsentation - kan tage publikumsmedlemmer gennem forskellige stemninger, atmosfærer og endda verdener på bare en nat med dans. Alvin Ailey American Dance Theatres efterårsprogram i New York City Center, en tredobbel regning, var sådan dansekunst og programmering. Gennem dygtig koreografi, koncept og design understregede det, hvordan samfundet - og især afroamerikansk kultur og historie - rummer både fest og sorg, glæde og resonans af traumer. På bare to timers dansekunst følte jeg mig genoplivet, bedrøvet, fascineret, fortryllet og meget mere.
sanger og danser
Det første værk, Alvin Aliey's Nat Skabning (1974), føltes som en jazzet version af Hollywoods 'drømmeballet' (fra dets 'gyldne dage' fra gamle dage). Bevægelsesordforråd gik fra balletisk til det for klassisk jazz til det for det 20. århundredes moderne dans. Visse øjeblikke sivede, såsom uddybning i en plie eller strækker sig gennem et ben. Andre poppede op, såsom hænder, der kom til hofter og hofter, der artikulerede. Lille balletiske spring og spring tilføjede en organiserende klassisk indramning til hele handlingen. Der var også en jævn brummen af høj energi og handling - hurtigt skiftende formationer, partnerskift, varierende bevægelseshastighed. Resultatet af disse komponenter var en mangfoldighed, der trak mig lige ind. Til tider ville jeg dog se nogle øjeblikke dvæle mere - for virkelig at få deres smag og følelse.
På den anden side fascinerede den måde, hvorpå grupper skiftede og forandrede mig på et konceptuelt niveau, som om arbejdet spotte forskellige grupper inden for en større gruppe samlet til sjov om natten (da titel, jazzmusik og elegance af kostumer ville føre mig at tænke). Inden for en større social indstilling er der mange mindre sociale møder, der spiller ud - vittigheder, dramaer, flirt, osv. Hvor interessant og behageligt at se dette spillet i koreografi!
Kostumer var off-white og blå, deres paljetter også mousserende lyse og langt (genskabt af Barbara Forbes). Partituren fra Duke Ellington havde en lys og livlig kvalitet, der understøttede den kvalitet i resten af arbejdet. Klassiske jazzelementer tilføjede også en hjertevarmende nostalgisk følelse. Det hele føltes glad og livligt. Arbejdet mindede mig om, at selv i urolige tider har kunst som katarsis og omdirigering sin oprigtige, vigtige plads og formål. Det kan skinne et lys gennem mørket og minde os om det lysets vidunder.
Følge Nat Skabning var Robert Battle's duet Hun (2008, Ailey premiere 2016). Renaldo Maurice og Chalvar Monteiro dansede arbejdet med dygtighed og glæde. Værket udviste mange elementer af den kunstneriske leders koreografiske stemme - såsom hurtig bevægelse og gestus i overensstemmelse med musikalske beats - men tilbød samtidig en ny stemning og atmosfære.
De to mænd bevægede sig sammen med de mange facetter af Ella Fitzgeralds stemme, sang kor og andre signaturdele af klassiske sange. I dippene, trillerne og løbet af Fitzgeralds enestående vokalisering fandt duetpartnerne unikke gestus, ændringer af klassisk teknik og timings. Deres rødbrune og sorte dragter, gnistrende og skarpe, tilføjede yderligere dette elegance (designet af Jon Taylor) - som dansernes smarte tilstedeværelse er helt tilpasset.
sophia lucia dansetøj
Jeg spekulerede på, om lidt mindre enighed ville variere i arbejdet yderligere, duetpartnerne bevægede sig i total synkronicitet for det meste af arbejdet. Der var et lokkende, mindeværdigt øjeblik, hvor den ene dansede, lænede sig tættere på den anden, adskilt en smule i rummet, og den anden bøjede sig væk - lidt af en 'jagt', hvis du vil, og leg med 'negativt rum' (det rumlige og energisk rige på scenen, hvor danserne ikke var). Senere tjekkede jeg min egen reaktion her for at spekulere på, om det var et mere teoretisk, akademisk svar end en af min autentiske oplevelse af arbejdet. I virkeligheden trak arbejdet mig ind og fik mig til at smile - endda grine til tider.
Arbejdets korthed var også forfriskende. Da det blev afviklet, tænkte jeg for mig selv ”lige nok”. Også med en meget energisk kvalitet pakkede arbejdet virkelig et slag og efterlod et indtryk. Til sidst floppede danserne i en “x” -form på scenen og lagde sig stille, mens musikken fortsatte med at spille et øjeblik, før de dæmpede sig ned. Dette valg tilføjede en anden timingkvalitet. Jeg lo også for at se denne ekstreme udførelsesform for deres udmattelse (som, hvis den er autentisk, ville være forståelig - det at udføre arbejdet syntes at kræve bådmængder af fysisk, mental og åndelig energi).
Så kom Donald Byrds Greenwood (2019), der bringer os ind i en helt anden verden, atmosfære og stemning. Fra arbejdets start bragte de ledsagende effekter af røg og grøn belysning følelsen af noget, der ikke var helt rigtigt. Rød belysning på andre punkter bragte en følelse af intensitet (belysning af Jack Mehler). En gruppe havde noget gammeldags tøj på (tilsyneladende fra 1920'erne) og dansede sammen i harmoni - håbende, men alligevel forsigtige, ekspansive, men til tider bevægende med mere tilbageholdenhed. Snart nok ringede en kvindes skrig gennem teatret. Chrome-iført figurer kom derefter ind (kostumer af Doris Black). Disse figurer bevægede sig i linier og snart uhyggeligt tæt på dem, der dansede sammen i harmoni. Der var en uhyggelig følelse af rutinisering og overensstemmelse, og derefter noget parasitisk på den måde, de bevægede sig på.
Partituren bliver også atonal og forudgående (musik af Emmanuel Witzthum). Det syntes tydeligt, at disse krombærende figurer ikke var her for at hjælpe - faktisk syntes deres mål at være at skade disse hverdagsfolk slags tegn. De marcherede ud gennem en åbning i baggrunden. En ”hverdag-folk” -danser dansede derefter på plads og fremkaldte følelsen af at udøve en betydelig indsats, mens han ikke kom nogen steder - eller måske løb fra en truende styrke, men kom ingen steder hurtigt. I forskellige variationer med forskellige diskrete dele forlænget eller forkortet og bevægelsestemaer udvidet, gentog denne sekvens. Denne gentagelse bragte en følelse af, at næsten det samme skete igen og igen - historien måske ikke ligefrem gentager, men helt sikkert rimer.
En duet, der gik fra lidenskabelig til foragtelig, førte mig ind i disse danseres verden - virkelige mennesker med glæder og sorger, selv bortset fra den udnyttelse og undertrykkelse, som disse kromudstyrede figurer med mellemrum bragte. Jeg tænkte tilbage på programmets diskussion af Greenwood som 'Black Wall Street' - indtil hvid vrede over afroamerikansk ekspertise og en gnist af et interracial møde mellem to teenagere førte til en bogstavelig race-massakre ved Greenwood. Mit hjerte sank, og mit sind spandt tilbage i mine lejlighedsvise meditationer over det hvide privilegium af mig selv og mine kære. Mere end mentalt, jeg virkelig følte disse temaer - i mine knogler og dybt ind i min sjæl.
Jeg reflekterede over kunstens magt til at få os til mere end tænke, men til virkelig at føle. Jeg fandt det også bemærkelsesværdigt lige efter det glade og livlige Nat Skabning og Hun , bragte mig et meget andet arbejde til dette reflekterende sted. Kunst kan vise os på vores bedste, men også på vores laveste punkter. Det kan illustrere vores højeste glæder og vores dybeste sorger. Jeg tænkte også på den dynamik på fællesskabsplan - og især inden for det afroamerikanske samfund. Med alt hvad deres samfund har været nødt til at overvinde, har sorte kunstnere utvivlsomt været førende inden for national og international, kunst og kultur - og Alvin Ailey American Dance Theatre er i spidsen for dette lederskab. Brava og oprigtig taknemmelighed til disse kunstnere for deres lederskab.
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
