Pina Bauschs 'Vollmand'. Foto af Julieta Cervantes. Sidste år øvede jeg på et show - en danseteatertilpasning af et Tennessee Williams-stykke - i et downtown-studie i NYC. Senere samme dag modtog jeg en e-mail om, at jeg ikke kunne øve teater i dansestudierne. Jeg skrev straks et lidenskabeligt svar tilbage, der forklarede danseteaterets natur. Jeg er først og fremmest en dansekunstner, og det arbejde, jeg laver, er afhængig af dans. Derudover har teaterstudier ofte betongulve, mindre rum og er rodet med stole og rekvisitter, hvilket gør dem usikre for dansere. Jeg havde et utal af svar: vrede, frygt, forvirring, frustration. Dette studie kæmper for forskellige performance-stilarter. Hvorfor blev den kunstform, jeg arbejder med, sat i tvivl? Ting blev let løst, men det efterlod mig undrende, hvorfor er dansteater så misforstået?
Hvad er dansteater?
Nicole Colbert Dance / Theatres 'Lovers and Strangers'. Foto af Per Morten Abrahamsen.
Danseteater er en dansebaseret kunstform, hvor en verden skabes gennem fysiske og psykologiske interaktioner på scenen. Roland Langer (1984) eksemplificerer elementerne som tegning på ”dans, tale, sang, konventionelt teater og brugen af rekvisitter, scenografi og kostumer i en sammenlægning. Normalt er der ikke noget plot i stedet, specifikke situationer, frygt og menneskelige konflikter præsenteres. ” Som et resultat er det ofte så meget konceptuelt som det er dramatisk og fysisk.
Historie
Oprindelsen til dansteater tilskrives Rudolph Laban (1879-1958), Kurt Jooss (1901-1979) og Mary Wigman (1886-1973), der udviklede en expressionistisk danseform, der på tysk blev omtalt som Ausdruckstanz. De blev inspireret af de tidlige 20 årthårhundrede tysk ekspressionisme bevægelse i maleri, der søgte at understrege indre følelser og ideer over replikationer af virkeligheden. Efter første verdenskrig så kunstnere den gamle måde at gøre tingene på som stillestående. I dans blev ballet betragtet som en genre af den gamle garde, som ikke udtrykte individet og deres situationelle reaktioner, såsom frygt og længsel, på krigshændelserne og dens efterfølgende.
Pina Bauschs 'Nefés'. Foto af Stephanie Berger.
laura san giacomo bh størrelse
Jooss 'discipel, Pina Bausch (1940-2009), betragtes som danseteaterens danser. Royd Climenhaga (2018) antyder, at Bausch, som var en ung koreograf i 1960'erne, ikke kun var påvirket af hendes arbejde med Jooss og tysk ekspressionisme, men også af eksperimenterne fra teaterkunstnere, der søgte at 'skabe en verden af scenen, snarere end en verden på scenen ”på det tidspunkt.
Bauschs arbejde har ikke en traditionel teaterbue. I stedet er den konstrueret som en serie vignetter og er inspireret af et tema eller sted. På scenen fremkaldes en fysisk verden gennem symbolske signifikanter som vand, blomster, snavs og murbrokker. I denne verden taler kunstnere, løber, danser, sveder, rammer hinanden og svømmer. Individuelle reaktioner på menneskelig erfaring udføres med intensitet, og bevægelsesordforråd er tydeligt og udtryksfuldt. Hendes arbejde har hjulpet indlede en seriøs æstetisk overvejelse af genren i Europa.
Danseteater på amerikansk jord
Bill T.Jones / Arnie Zane Company i 'Still / Here'. Foto af Dan Rest, takket være BAM Hamm-arkivet.
Danseteater har ikke en historisk tradition i USA og har derfor ikke været så populær. De tidlige pionerer inden for moderne dans som Martha Graham, Sophie Maslow og Anna Sokolow skabte danse med socialt bevidste temaer og udviklede et udtryksfuldt dansevokabular, men i 1940'erne var der et skridt væk fra ekspressionisme mod abstrakt dansefremstilling, der er kendetegnet ved værket af Merce Cunningham.
benjamin briones ballet
I en kort periode opstod der imidlertid fra midten af 1980'erne til 1990'erne en generation koreografer, der kunne betragtes som danseteaterkunstnere. Disse koreografer - Bill T.Jones / Arnie Zane, Doug Varone, Bebe Miller, Ralph Lemon, Sara Pearson og Patrik Widrig og Tere O'Connor, der stadig skaber arbejde i dag - var dansere i centrum i NYC, der udforskede politiske og sociale temaer og skabe arbejde svarende til europæisk dansteater med dets sammensmeltning af dans og teater, talt ord, teatervignetter og brug af kroppen som et udtrykssted. De ville have kendt om de tidlige moderne dansepionerers arbejde, såvel som ville have set eller været opmærksomme på det eksperimentelle arbejde, der kom ud af Judson Theatre i 1960'erne, hvor kunstnere sammensmeltede genrer og udfordrede æstetiske præstationsnormer .
Anna Sokolow's 'Steps of Silence'. Foto af Steven Pisano.
1980'erne var ligesom 1960'erne også en tid med store sociale og politiske forandringer, og individuelle kunstnere blev stærkt påvirket af den økonomiske recession under Reagan-æraen, AIDS-epidemien, fremkomsten af nykonservatisme og den fortsatte snigende racisme og kvindefri udtrykt i det daglige samfund. Miller siger, at hendes arbejde er 'forankret i den menneskelige tilstand.' Denne kunstneriske undersøgelseslinje fanger bekymringer hos denne generation af koreografer og minder om impulser fra tidlige tyske og andre europæiske danseteaterproducenter.
I slutningen af 1990'erne skiftede dans spor igen, og der var vægt på abstrakt og bevægelsesbaseret koreografi. Danseteater blev en outlier.
Og nu?
I USA er der en stigende interesse for dansteater. Dansk kritiker Siobhan Burke (2017) nævner Annie B. Parson, Okwui Okpokwasili og Faye Driscoll som nuværende danseteaterkunstnere. David Neumann og Raja Feather Kelly skal føjes til listen. Efterhånden som flere og flere danseproducenter bliver interesserede i dansteater, er der stadig nogle vanskeligheder med hensyn til dets identitet. Der er ikke engang en samlet stavemåde på engelsk. Library of Congress citerer Danseteater (Tysk) som navnet på europæisk dansteater, men på engelsk er det dans / teater , danseteater og danseteater . Bortset fra semantik er de virkelige udfordringer, der står over for formen på amerikansk jord, inden for trænings- og præstationsmuligheder.
Pina Bauschs 'som mos på stenen, åh ja, ja, ja ...'. Foto af Stephanie Berger.
banebrydende dansecenter
Uddannelse for dansere, der ønsker at optræde i danseteaterværker, er kritisk. På en koncert, jeg så af en kommende koreograf (betegnet som danseteater), stod værket stærkt på fortælling, men danserne havde ikke evnen til at tale hørbart på scenen. Oplevelsen var meget frustrerende, som at lytte til musik med en hovedtelefon, der tuning ind og ud.
Derudover kan kuratorer for små teatre, der præsenterer dans, give bevidst plads til danseteater under programmering. Dermed ville de give kunstnere flere muligheder for at udvikle ideer og udarbejde kreative problemer (såsom at tale på scenen). Det er muligt, at kuratorer viger væk fra at præsentere dansteater på grund af vanskelighederne med at definere genren. Desuden, uden en samlet stavning, ved kuratorer måske ikke engang, hvor de skal begynde. Som et resultat går mange vigtige muligheder for danseteaterkunstnere tabt.
Ethikken i den amerikanske kunstscene har historisk altid været meget eksperimentel. Samtidig drives det amerikanske samfund af etiketter. Disse to værdier har ofte forvist kunstbevægelser og former til sidelinjen. Måske er det tid til at stoppe med at bekymre sig om, hvordan man mærker eller definerer det. Lad det være, hvad det er: en dansebaseret kunst, der trækker på en sammensmeltning af former. Lad os i stedet tage fat på de spørgsmål, der giver det en chance for at udvikle sig og vokse på amerikansk jord og blive noget af sit eget.
Af Nicole Colbert fra Dance informerer.
