Dana Tai Soon Burgess Dance Company's 'A Tribute to Marian Anderson'. Foto af Jeff Malet. Smithsonian National Portrait Gallery, Washington, D.C.
3. februar 2020.
Modstand kan komme i form af stille, yndefuld styrke - i vedholdenhed, opfindsomhed og grus. Der kan således være harmoni og nåde i bekæmpelsen af uretfærdighed. Disse træk skinner gennem Marian Andersons liv, en person, jeg ikke kendte til før jeg lærte om denne forestilling. Hun var den første store afroamerikanske operasanger, der fik fremtrædende plads i dette land. Vejen derhen var ikke så let som hun stod over for utrolig racisme, til det punkt at blive nægtet adgang til flere forestillingssteder. Hun lod dog aldrig det komme i vejen for at gøre det, hun elskede og dele sit talent.
Da hun for eksempel ikke fik lov til at optræde på et prestigefyldt sted i Washington D.C., sang hun på trinnene til Lincoln Memorial - “My Country T’is of Thee”, ikke mindre. Symbolikken her er slående og stærk. Dana Tai Soon Burgess Dance Company (DTSBDC) portrætterede det sammen med Andersons yndefulde, vedholdende modstand med klarhed og kommando. Burgess signaturbevægelsesstil, en smukt frigivet form for klassisk moderne dans - sammen med opbygningen af en klar, stemningsfuld atmosfære - hjalp alle med at opbygge denne skildring.
Det Washington D.C.-baserede selskabs mission er at 'skabe og udføre nye moderne dansekoreografier, der udforsker personlige og kulturelle historier ... [der] belyser de grundlæggende oplevelser, behov og ambitioner, der er en integreret del af alles liv.' Burgess er Smithsonians første nogensinde Koreograf i bopæl . Han skabte dette arbejde som et svar på udstillingen på National Portrait Gallery, der hyldede Anderson, 'One Life: Marian Anderson' (2019, kurateret af Leslie Urena).
Dana Tai Soon Burgess Dance Company's 'A Tribute to Marian Anderson'. Foto af Jeff Malet.
En følelse af harmoni, balance og ærbødighed var tydelig fra begyndelsen, et sort-hvidt billede af Anderson i dejlig lang sort kjole fyldte scenen som en forudindstilling. En sanger, Millicent Scarlett, kom ind. Hendes stemme var fuld og dybt resonant og tilbød 'Mit land er dig.' Jeffrey Watson ledsagede hende på klaveret. Dansere cirklede omkring hende og bevægede sig i kanon. Nogle gik med tilstedeværelse og nogle dansede mere tekniske trin og tilføjede et element af modstand for at gøre den harmoniske følelse mere dynamisk. Brahms-kompositioner ledsagede dem, mens de dansede.
Danserne parrede sig snart til mere balsalinspirerede bevægelser og klassiske moderne dansebevægende billeder, som alle var mindeværdige. En kvinde sprang frem, og en mandlig partner tog en arabasque bag sig og skabte feministiske billeder, der varmede mit hjerte. Et løft over en hofte til en sving blev armene sænkende, parrets hænder mødtes langsomt. Et teknisk øjeblik flyttede ind i et tilfredsstillende klart og simpelt her, et af ligevægt og respekt.
Denne sekvens kom tilbage på visse punkter og blev grundstødende i sin gentagelse. Denne sekvens og andre bevægelsessætninger gentaget i koreografien blev ikke uaktuelle, fordi nuancer i dem var friske hver gang. Denne tilgang skabte også en udførelsesform for bro- og kor gentagelse i musikken, alt sammen om det aktuelle emne, som jeg så det - vedholdenhed, grus og en stille styrke.
En duet indsnævrede oplevelsen, der blev skildret for en gruppe, til to personers. Derefter følte bevægelsen sig dybere og mere åbenlyst relationel. En trio af kvinder fulgte, blødere og mere feminin i bevægelseskvalitet. Et dejligt billede af omsluttende arme, mens danserne stod i en linje, var æstetisk tiltalende samt tilbød en hjertevarmende følelse af støtte og forbindelse.
En duet til at følge, der dykkede ind i den mere tumultagtige side af romantik, syntes det. Jordforbindelse dybt ned i lag føltes som at tage stilling til ens vilje. At bevæge sig mod og væk fra hinanden i rummet føltes ens. Det fik mig til at spekulere på, hvad mere af den dybe jordforbindelse kunne have medført andre dele af arbejdet, at den aktuelle energi var ret lodret og løftet gennem meget af det. Indrømmet, at løftet kvalitet føltes som en del af, hvad der byggede den følelse af værdig, stille styrke, der kom på tværs.
Senere i værket var en pause i sangene, måske måske medført effektiv kontrast, hvis det også blev gjort tidligere i værket. På en anden auditiv tone kunne jeg høre dansernes fødder glider, hvilket gjorde deres glatte bevægelse af overkurver og underkurver mere visceral og behageligt oplevelsesmæssig for mig. At bringe mig ind i værket var også en klassisk og værdig æstetik. Belysningen var i en enkel, men alligevel stemningsfuld gulgrå. Kostumer var sorte og elegant skåret (af Sigrid Johannesdottir). Det hele skabte noget, der føltes som et bevægende sort-hvidt foto.
Senere gruppesektioner skiftede til noget som åbning, cirkling og bevægelse som en vals. Det var imidlertid mere ekspansivt og teknisk med ben, der saksede gennem luften i elevatorer og rene slag til side (stabil og klar snarere end hovedhøj, kvalitet værdsat over overmenneskelig fleksibilitet). Millicent vendte tilbage for at synge “My Country T’is of Thee”. Lys sænket på et tableau, danserne vendte sig mod det samme elegante billede af Anderson. Det føltes som en kogent, vidunderligt udformet ære for en kvinde, der behandlede uretfærdighed og fordomme med vedholdenhed, integritet og nåde.
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
