Island Moving Company i 'Memory and Glass'. Foto af Thomas Palmer. Green Street Studios, Cambridge, Massachusetts.
22. april 2017.
På den ene side er der mangfoldighed - eksistensen af forskellige måder at være og handle på. På den anden side er der enhed - separate enheder, der handler og er i samhørighed og harmoni. De to tilstande udelukker imidlertid ikke hinanden, fordi enhed ikke nødvendigvis betyder overensstemmelse. Divergerende måder at være og handle på kan slutte sig harmonisk sammen og dermed forene sig. Vi ser nu denne effekt i koncertdans, generelt set, med klassiske og moderne elementer, som nogle gange blandes og nogle gange lever side om side.
Ruth Whitney og Jacob Hoover fra Tony Williams Ballet Company i 'La Favorita'. Foto af Golden Lion Photography.
Kat Nasti, direktør for Green Street Studios i Cambridge, Massachusetts, udtrykte dette punkt, da hun introducerede dansekollektivets Ballet Showcase. Showet er den første af en serie genrespecifikke koncerter, som Green Street præsenterer i de kommende måneder.
Showet inkluderede værker i balletformen, der spænder fra klassisk til neoklassisk til postmoderne med balletiske inspirationer. Den første af disse stykker, Mamma mave koreograferet og udført af Tai Jimenez, var en slående udforskning af moderskabet.
Man kunne fortolke denne udforskning som stort set en kommentar til ofre - måske noget af det som et tab af en del af ens identitet - inden for moderskabsoplevelsen. Jimenez bevægede sig yndefuldt og voldsomt. Hun indledte ofte bevægelse fra hofter, albuer og håndled med slående subtilitet. Kostume og belysning supplerede hendes krops opbygning af en næsten ildevarslende atmosfære. En flydende, men alligevel jordbaseret piqué-drejning - som en af de få åbenlyst tekniske bevægelser i stykket - efterlod en, der ønsker mere flydende blanding af balletiske bevægelser med den i det postmoderne, frigivelsestekniske idiom.
Tilsvarende var postmoderne i nogle kvaliteter et følgende stykke, et uddrag af Jorma Elo's Skær til skarp , fremført af Boston Ballet IIs Thomas Davidoff og iscenesat af Anthony Randazzo. Det havde dog en meget mere atletisk energi. Værket - og Davidoffs kommanderende levering af det - mindede den vidunderlige scene i balletfilmen Virksomheden hvor en mandlig danser, alene i et katedrallignende rum, bevæger sig hurtigt og kraftigt.
Christian Pforr fra Boston Ballet II i Jorma Elo's 'Slice to Sharp'. Foto af Golden Lion Photography.
Davidoff dansede med en utrolig fængslende måde at opretholde en spinal snakiness gennem nogle meget tekniske og komplekse bevægelser. Denne anmelder, som en Boston-baseret kritiker, ser frem til at se, hvor han vil hen i den overordnede Boston Ballet-struktur. Alligevel var bevægelsen så hurtig, så kraftig, så spektakulær, at man måske beder om mere nivellering af hastighed og fysiske energier, når noget er konstant, fra manglende modstand betyder det mindre.
Der havde vi postmodernisme. Jazzdans optrådte også med SundanceX Caprice (fra koreograf og kunstnerisk leder / grundlægger David Sun). Med ordforråd som parallelle passéer, layouts og endda en italiensk i Fosse-stilingen kat, stykket var bestemt fuld af lunefuld og jazzy sjov. Det tilbød et balanchineagtigt twist på klassicisme leveret med flair og masser af hurtigt fodarbejde. Lyse kostume farver, som er forskellige for hver dansers unitard, tilføjede den følelse af sjov og flair. Danserne gennemførte de vanskelige allegro sektioner såvel som langsommere sektioner med vedvarende udvidelser og vendinger, prisværdigt.
julie ertz løn
På den anden side kunne man undre sig over, hvordan den dygtige koreografi - og dens udførelse - kunne se ud, hvis danserne tog mere risiko med det. Udgivelser på gulvet føltes meget kontrolleret og sikkert, for eksempel mangler drama, der måske har været overbevisende (med undtagelse af en danser i et gult kostume). Måske er de unge dansere med imponerende teknik i deres tilsyneladende alder på et stadium, hvor det enten er teknisk kommando eller en dristig tilgang til deres dans. De viser meget løfte og potentiale. Under alle omstændigheder benyttede Sun sig godt af niveauer i rum- og sceneafsnit for at skabe et behageligt scenebillede.
Beth Mochizuki i Kevin Jenkins '' Reverie '. Foto af Golden Lion Photography.
christopher velez alder
Bygningen af atmosfære i Reverie bidrog også betydeligt til oplevelsen af stykket sammen med dygtigt designet, tenebristisk baggrundsbelysning (lysdesign af Stephen Petrilli). Kevin Jenkins 'koreografi tilbød noget glat og saftigt, de to dansere (Beth Mochizuki og Ruth Whitney) rullede håndled og skiftede deres hoveder med yndefulde vendinger og forlængelser. Balletboller og de lange ærmer samt flydende nederdele i knælængde af deres mørke kostumer forbedrede denne enkle, men kraftfulde bevægelse.
Der var Mark Morris-lignende glade lethed, der ekko gennem det hele. Ved at tilføje til denne kvalitet, instrumental strygemusik, en solo violin lilt ligesom bevægelsen gjorde. Alt i alt kom alle disse elementer sammen for at skabe en æstetisk oplevelse, der ikke skal glemmes. Alligevel er en eneste kritik et ønske om at se danserne interagere mere. Soulfulness af deres dans fra hinanden, og det af de relativt sjældne øjeblikke, da de sluttede sig, stillede spørgsmålet om, hvad det ville have at bidrage til stykket. Med det kunne stykket have været en endnu mere slående, mindeværdig og betagende oplevelse at tage i.
Så kom det afsluttende arbejde, Island Moving Company's Hukommelse og Glas , koreograferet af Rodney Rivera . En fuldstændig passende titel, da det følelsesmæssige indhold var levende nok til at forbinde med minder i hvert publikum. Med blik, ansigtsudtryk, bevægelseskvalitet og måde at interagere med andre dansere på, skabte rollebesætningen en følelsesladet - men ikke melodramatisk - oplevelse af dansekunstneri. Riveras bidrager også til denne oplevelse med sin kloge, innovative dannelse.
I et afsnit lå f.eks. En række alle mandlige dansere på ryggen langt op på scenen med den ene arm udstrakt til himlen. Enkelheden kontrasterede effektivt den virtuose bevægelse, der foregår i centrum. I et øjeblik mere subtilt og dramadrevet lå en (af de i alt tre) ballerinaer i føtal position. Hun holdt to mandlige danseres ankler for at bevæge sig langsomt, forsigtigt (det var ikke så aggressivt eller voldsomt som 'træk' ville antyde).
Island Moving Company i 'Memoria y Vidrio'. Foto af Golden Lion Photography.
Scenebilledet talte derefter tusinder af ord, noget i det syntes at have bindevæv til årtusinder af tab, kærlighed, længsel og håb om en bedre fremtid inden for kollektiv menneskelig oplevelse. Hun rejste sig imidlertid, ligesom andre dansere, der udførte lignende niveauændringer gennem (og lige inden i) yndefuldt konstrueret sætningsarbejde. Det hele syntes at ekko Maya Angelous poetiske linje, 'Og stadig rejser jeg mig ... og stadig rejser jeg mig.' At falde og derefter rejse sig igen er ikke udelukkende fra fortiden eller nutiden.
Dansestil, klassisk til moderne til postmoderne, behøver ikke være det. Hukommelse og glas sammen med andre prisværdige værker i dette program viste det sig at være sandt. De kan flette sammen, gå side om side og være i dialog. Det hele kan være en del af den afgørende observation og kommentar, som kunsten kan tilbyde os. I en tid, hvor værdierne mangfoldighed og enhed undertiden synes at være i modstrid, når vi nogle gange kæmper for at forene divergens og konvergens, lad os huske - som dette program illustrerede - at de virkelig kan være som en.
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
anbefalet til dig
