Abraham.In Motion. Foto af Christopher Duggan. Joyce Theatre, New York, NY.
15. oktober 2019.
Kyle Abrahams Abraham.In.Motion (A.I.M.) søger at 'skabe en stemningsfuld tværfaglig arbejdsgruppe' og være 'en repræsentation af dansere fra forskellige discipliner og forskellige personlige baggrunde.' Virksomhedens program på The Joyce Theatre validerede disse væsentlige komponenter i dets mission - eklekticisme og samarbejde. Både udspringer af - og desuden brug for at blomstre - en holdning af åbenhed over for deling og overvejelse af andre perspektiver. En sådan ånd og tilgang til arbejde virker levende og godt hos A.I.M. i betragtning af disse eklektiske værker, der er baseret på samarbejdsmetoder.
Store ringe , en verdenspremiere koreograferet af Keerati Jinakunwiphat, åbnede programmet. Bevægelse - i formation og på kropsniveau - afspejlede basketballdanseres bevægelse gradvist i løbet af scenen i linjer og nåede lavt og højt, som om man driller og skyder ved at bore. Lyde af slid reflekterede sneakers på banen. Belysning (af Dan Scully) fremkaldte et sene nattespil eller -øvelse, dramatisk lavt og oplyste danserne fra siden.
Spring og bevægelser var baseret på nutidigt og hip hop ordforråd, men havde også et fodgænger touch. Denne kvalitet humaniserede danserne såvel som hjalp med at validere basketballtemaet. Mere teknisk bevægelse ville komme, endda slående partnerskab - såsom en danser, der vippede hofterne for at røre den ene fod ned til jorden, mens hendes partner holdt den anden. Æstetiske effekter ville også blive mere varierede og komplekse, såsom et afsnit med danserne bagbelyst - og derfor i silhuet.
Sektioner, der tilsyneladende var improviserede, ville også komme, hvorimod bevægelsen før dette i stykket - i harmoni og i separate grupper, der dansede samtidigt - syntes at være sat. Jinakunwiphat tilbød forskellige måder, som en gruppe dansere kan bevæge sig på en scene, separat og sammen. Det hele bragte en følelse af dynamisk energi og harmoni mellem grupper. Tekster mod slutningen sagde 'I'm good', mens danserne bevægede sig med en let rille. Bevægelsen og dannelserne i dette sidste afsnit (og andre) afspejlede modstand - men alligevel var der et funktionelt, harmonisk system her. Alle syntes at være i stand til sandfærdigt at sige 'Jeg er god'. Jinakunwiphats bevægelse afspejlede forskellige bevægelsesformer og inspirationer udført af Abrahams alsidige dansere - eklekticisme og samarbejde i aktion.
Vis pony , koreograferet af Abraham og danset af Marcella Lewis, kom dernæst. Det osmede også en let cool samt danserens stolthed og tillid til hendes egen hud. Lewis havde en guld unitard (Costume Design af Fritz Masten), der skinnede lige lige mod det gule / orange lys (Lighting Design af Scully), farverne var alle perfekt kontrasterede, men også på en eller anden måde harmonisk mødt. Lewis bevægede sig med en slags sass, en lavmælt, der syntes at sige, at hun absolut ikke havde noget at bevise.
Hun bøjede knæene, jordede dybt, men nåede også langt uden for sig selv med glat strakte lemmer. Efter at have udforsket forskellige niveauer bevægede hun sig assertivt og frygtløst gennem rummet. Gestus, der ser ud til at efterligne en marionet og fodarbejde af en stolt hestes bevægelse, fremmede værkets tema såvel som ordforråd for hip-hop-bevægelse. Alligevel afspejlede disse flydende udvidelser og gulvbaserede bevægelsesafsnit nutidige bevægelsesordforråd.
mickey gall nettoværdi
Dette arbejde demonstrerede Abrahams evne til problemfrit at blande så forskellige bevægelsesidiomer, en dygtig og overbevisende eklekticisme. På visse punkter kom Doris Humphreys citat om, at alle danser var for lange, i tankerne for mig. Jeg spekulerede på, om arbejdet i firs procent af dets længde ville have haft større indflydelse. Værker, der er solo, kommer ind i billedet med dette spørgsmål, tror jeg. Alligevel var arbejdet mindeværdigt og behageligt at opleve.
Efter dette arbejde kom Trisha Browns Bare Olos (genopført af Cecily Campbell og Stuart Shugg), et værk af postmoderne bevægelsesingredienser og formet af postmoderne processer. For at få en tavshed (bortset fra deres egen ånde og fødder, der skurrede) dyppede danserne deres hoveder for at få deres rygsøjler til at gå fra gående til liggende. De bragte en albue ind i en side, den anden arm førte dem til at vende sidelæns med rygsøjlen flad, den albue førte derefter armen til at slutte sig til den anden arm for at nå fremad - accenteret alligevel med en glathed, der gelerer alle bevægelser sammen. Alt dette dansede de først i fællesskab.
Derefter gav nogen dem over højttaleren instruktioner som “omvendt” og “gren”. Der var derfor tilsyneladende et element af improvisation her, danserne var ikke klar over, hvilke instruktioner der ville komme når. De var imponerende på opgaven og skarpe på trods af denne uventede karakter af, hvad de ville blive bedt om at gøre næste ud fra personlig erfaring, jeg kan sige, at bevægelsesændringer som retrograd er ret vanskelige at pakke ens hjerne og krop rundt. På en måde er dette et element i en postmoderne dansers virtuositet. SIGTE. dansere deri viste deres alsidighed her, og det større selskab sin ånd af eklekticisme i inkluderingen af et så sikkert postmoderne værk (man kan med rimelighed hævde, at vi nu er i en 'post-postmoderne' æra inden for dans og i bredere kunst) . For at afslutte sagde højttalerstemmen 'vi fortsætter.' Dette føltes som et vindue ind i en dansekunstners virkelighed, hvordan de arbejder meget, meget længere på et værk, end det selv varer i tide.
Undersøgelser om farvel var et koreografisk samarbejde mellem Abraham og hans selskabsdansere. Som det oftest er tilfældet, når koreografer arbejder på denne måde (og dermed en fordel ved at gøre det), syntes bevægelse at afspejle dansernes styrker og individuelle bevægelsesstil. Forskellige grupperinger af dansere, der opløses på forskellige måder, igen og igen i et værk, afspejlede den overflod af stemninger og energier, som farvel kan reflektere - alt sammen med en slags spænding eller tristhed, men disse situationer er sjældent lette eller behagelige. Afslutningen var særligt magtfuld, en danser stod alene på scenen og stirrede rundt i rummet. Dette spørgsmål dukkede op for mig, hvad der er tilbage efter et farvel, i og omkring sig selv?
Kokon , koreograferet og danset af Abraham, kaldet på et samarbejde mellem dans og live sang. Nuancerne i hans bevægelse stemte overens med nuancerne i den flerdelte vokale harmoni. Tydeligt i alle - og især i Abrahams jordede, men på en eller anden måde også håbefulde, håbfulde bevægelseskvalitet - var en åndsfuldhed og generøsitet. Disse lag i deres kreative tilbud og i selve kreativiteten føltes som en slags 'kokon' - indhyllet, beskyttet dem gennem selvtransformation og vækst. Disse kunstnere, der optrådte sammen og udmærkede sig i deres separate kunstformer, syntes at gøre denne 'kokon' mulig.
Afslutningen af natten var Aske , danset af Misty Copeland og koreograferet af Abraham i samarbejde med Copeland. Jeg forventede ikke at se balletikonet, der danser Copeland den aften. Arbejdet eksemplificerede både samarbejde og eklekticisme gennem dets samarbejdende koreografiske tilgang og (sandsynligvis resulterende) nutidige balletbevægelsesidiom. Det, der var mest mindeværdigt for mig i værket, var Copelands tilstedeværelse og timing, snarere end store bevægelser 'tricks', hun er en virtuos danser, men dette arbejde syntes at have til hensigt at fremhæve, hvad der er der, når man fjerner de høje niveauer af virtuositet.
Et stærkt gråt farveskema, Copelands smukt flydende korte tunika i den farve (Costume Design af Harriet Jung og Reid Bartelme), syntes at afspejle den sparsomme sans. Hvad er der tilbage i asken, efter at ilden brænder lyst og varmt? Stykker af virtuos brændende flamme slikkede stadig op fra tid til anden, såsom med hurtige fodarbejder og højtflyvende spring. Som et hjerteslag er scoren ( Angreb / overgang af Alva Noto og Ryuichi Sakamoto med Ensemble Modern) følte sig reflekterende over hendes bevægelses kontinuerlige resonans (både den virtuose og mere bevægende, interne bevægelse). Som alle værker i programmet den aften, Aske demonstrerede den kreative gavmildhed, der er mulig, når kunstnere holder entusiastisk åbne sind til alternative måder at skabe og forskellige mennesker at lave med.
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
anbefalet til dig
