Mesma Belsare i 'Shilpa Natana'. 21. - 27. september 2020.
Streaming på YouTube .
Som danseskribent og en person dybt gennemsyret af mange forskellige dansefællesskaber hører jeg om mange forestillinger. Jeg kan ikke se dem alle. Alligevel får nogle gange en præstationsfremmende opmærksomhed - i et indlæg på sociale medier, en e-mail, jeg næsten ikke læste, eller en omtale fra en ven. Selvom jeg har det for travlt til at deltage (eller i disse dage se det via film), får jeg det til at opleve forestillingen. Jeg er næsten altid så glad for, at jeg gjorde det. Det minder mig næsten altid om, at der ikke er mangel på vidunderlig kunst derude, et produkt af fantasifulde og hengivne mennesker, der placerer sig derude i verden. Det er som at finde en skat på et forventet sted hver gang.
Det indo-amerikanske kunstråds 2020 Erasing BordersFestival var netop alt dette for mig. Det byder på klassiske og moderne indiske dansekunstnere hvert år og årets festival måtte naturligvis være virtuel . På så mange niveauer følte det mig som om festivalen slettede grænser - grænser op til mine egne typiske interesser som en dansentusiast, grænser op til måder, vi typisk tager i denne festival og andre, kulturelle grænser gennem eksponering for kunsten fra en anden kultur, og meget mere.
Vishwakiran Nambis samtidige værk Bål var det første værk på festivalen, som jeg så. I filmen, der blev vist før værkets film, fortæller om film af ham, der danser, diskuterer han, hvordan den oplevelse, hans kunst skaber for seerne, er meget vigtigere for ham end nogen særlig betydning, de kan tage væk. Mysteriet og den æstetiske sammenløb af dette værks begyndelse vidner om denne interesse og perspektiv. Resonante toner ringer igennem, når dansere langsomt går på scenen - sammenflettet på usædvanlige måder, understøtter andre dansere og støttes af dem. En gang i formation tager bevægelseskvalitet og timing et 180 graders skift til vanvittig og hurtig.
Vishwakiran Nambi.
yoga til dans
Denne spænding mellem forskellige timing og kvaliteter er fremherskende i meget af arbejdet. Sammen med dansernes faciliteter, stemningsfulde belysning og lokkende rytmer i partituret bringer det mig ind i den oplevelse. På en dybere måde er det en udførelsesform for selve oplevelsen, idet livet er en rejse på utallige spektrum mellem modsætninger.
pause
En anden udbredt spænding i arbejdet, som jeg kan se i arbejdet, er den mellem individet og kollektivet og enkeltpersoner i den kollektive støtte (eller ikke støtter) hinanden og selve kollektivet. Meget af tiden bevæger danserne sig i enstemmig gestus, jordet, men også med opadgående løft og utrolig rytmisk. Enkel trin og mere kompleks gestus skaber endda en æstetisk harmoni, der næsten er trance-lignende. På andre tidspunkter taler partnerskab og solo-arbejde - gennem former og manipulationer af fysiske love, som jeg ikke tror jeg nogensinde har set før - til handlinger, der overvælder andre, støtter andre og bevidst står i opposition til den større magtstrøm gruppe.
Danserne træder i enstemmig rytme mod scenen, og lysene og musikken forsvinder, indtil stykket er afsluttet. Derefter følger en anden kortfilm, der deler mere sammenhæng omkring arbejdet gennem korte interviews med danserne og Nambi. Koreografen forklarer betydningen af titlen som en henvisning til den åndelige praksis ved at gå over varme kul. Han er fascineret af ideen om, at folk gennemgår en utrolig kamp for løftet om et bedre liv eller en drøm, forklarer han, og hans egne kampe og hans danseres kamp mod det, de søger, var kreativt foder til stykket.
Dansernes oplevelser og refleksioner er også spændende at høre - såsom værkets rytmiske natur, der har paralleller til Bharatanatym , tilpasse sig den unikke stil og tilføje deres egen indflydelse gennem den kreative proces, og måderne, der arbejder på stykket blev legitimt livsændrende for dem. På den anden side ser dette høje niveau af kontekstualisering ud til at stå i spænding med ideen om at understrege publikumsoplevelse frem for mening - og generelt har jeg altid lyst til, at der er noget at sige for at efterlade nok ukendt til, at publikum kan komme væk med deres egen meget personlige betydning og erfaring med arbejdet. Ikke desto mindre er det på et intellektuelt og oplevelsesmæssigt niveau meget behageligt for mig at høre disse kunstneres stemmer og om den overbevisende kreative proces bag Bål .
Dernæst ser jeg et Bharatanatym-arbejde danset af Mesma Belsare og koreograferet af Maya Kulkarni. På scenen og spotlight begynder Belsare krøllet, lavt i rummet og bevæger sig langsomt og tankevækkende. Hendes klassiske kostume af guld og rød - armbånd, ankelklokker, hårforbindelser - giver hende en kongelig følelse. Klassisk indisk instrumentalmusik ledsager hende - tilbyder energi, glæde og følelsesmæssig dybde gennem dets tonale rækkevidde. Gestus, fysisk positionering og ansigtsudtryk synes at fortælle en historie. Jeg taler ikke det fysiske sprog i denne gamle danseform, og når jeg ser på hende, vil jeg være i stand til det. Alligevel fortæller hun tydeligt en historie og er helt åbenlyst fængslet i historiefortællingen som kunstner, hvilket altid er behageligt at opleve.
Mesma Belsare i 'Shilpa Natana'. Foto af Gajen Sunthara.
Bevægelser som at cirkulere armene vandret, som om man rører en tallerken, der laver mad på en komfur, formidler husholdning. For at afslutte rækker hun op - armene i et “v”, blik mod himlen - og vi ser hendes mave bevæge sig med den hurtige ånde i hendes fysiske arbejde. Jeg elsker de øjeblikke, hvor dansere finder stilhed efter at have udøvet sig selv, og vi ser deres åndedrag arbejde hårdt, sådan som de har investeret deres krop og ånd i værket, er så smukt klart i disse øjeblikke.
Når hun når stort ud, tager hun plads, ligesom hun gør ilt - stærk og stolt i sin tilstedeværelse. Uanset hvad der kunne være sket i denne historie, betyder det nok for mig. I diskussionen efter showet diskuterede både Belsare og Kulkarni, hvordan deres interesse for musik, bevægelse og billedkunst i dans kom sammen. Denne kærlighed til dans som en sammenløbning af sensoriske gaver er ganske tydelig i det dynamiske, tilfredsstillende arbejde. Kulkarni diskuterer også forskellen mellem blot fortælling gennem dans og virkelig legemliggørelse af historien gennem udtryk og fysisk engagement. Belsare eksemplificerer sidstnævnte - en vigtig del af, hvorfor arbejdet fængslede mig, tror jeg.
Endelig ser jeg Det er en ny begyndelse , med koreografi og koncept fra Divyaa Unni og vokal / musik fra Bhagyalakshmi Guruvayur. Det er en dejlig forening af bevægelse og musik i mindeværdige udendørs rum. Unni klassiske bevægelser og fodarbejde er præcise, men ikke stive. Guruvayurs vokal er lige så forsikret og dynamisk. Energien er optimistisk og glad, da hun fortæller en historie gennem bevægelse, en smuk del af Bharantanymas en kunstform.
En del af mig ønsker at kende selve historien, men der er noget at sige for, at kunstformen præsenteres i sin ægte, mest autentiske form - og hvem jeg er, skal jeg bede om noget andet. Energien skifter på et tidspunkt til noget langsommere og mere kontemplativt. Hendes bevægelser bliver mere vejledende for almindelige handlinger: at spise, lave mad, hilse på nogen. Denne ændring gør handlingen i fortællingen mindre uigennemsigtig for mig.
jim brockmire wiki
Divyaa Unni. Foto af Jamesh Kottakkal.
Det næste skift involverer, at hun flytter til stadig mere moderniserede, stadig mere menneskeligt påvirkede steder - en park med beskærede træer, bag på en bygning med parkeringsskilte og endelig et byhjørne, hvor hun hører skud. Derefter krummer hun sig af frygt. Foran et træhegn danser hun med vildskab og intens fokus, effekten af det, hun har hørt og set, synes at være gået dybt ned i hendes knogler og sener.
jesse og jeana alder
Hun vender tilbage til flodbredden, hvor hun startede, tilsyneladende lettet og glad for at være tilbage i sikker forbindelse med naturen. Den sidste del af filmen får hende til at danse - med klar intention og lidenskab - i et åbent felt med skyskrabere i baggrunden. Hun ser ud til at have fundet en slags balance mellem det rå naturlige og menneskeskabte. Rumets belysning og stille ro fremkalder en nyfundet harmoni.
Til sidst kommer hendes hænder til hendes hjerte, og hun krummer sig lavt. 'Shanti, shanti, shanti,' synger Guruvayur - 'fred, fred, fred.' Unni og hendes ledsagende kunstnere ser ud til at bede for menneskeheden - om 'en ny begyndelse', hvor vi efter COVID bygger tilbage en verden, der er bedre for os alle. Jeg er efterladt tankevækkende, rørt følelsesmæssigt og inspireret til at bevæge mig - bevæge min egen krop og bevæge mig mod en bedre verden. Sådanne skatte kan findes uventede steder, så hold øjnene åbne. Du vil ikke fortryde det.
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
