Tabula Rasa Dance Theatre i 'Inside Our Skins'. Foto af Jared Siskin / PMC. New York Live Arts, New York, NY.
15. maj 2019.
At lave kunst og præsentere den for et publikum tager en risiko. Det kræver mod. Det er ofte desto mere tilfældet, når arbejdet fokuserer på kontroversielle spørgsmål derude i verden og i den offentlige diskurs. Kunstnere, der præsenterer sådant arbejde, bringer ofte samvittigheden og kommenterer de uret, de ser i verden, og skubber for at se, at de bliver adresseret. Alle disse overvejelser var i luften på Tabula Rasa Dance Theatre Inde i vores skind , centreret om massefængsling og hvordan det fremmer en historie med socioøkonomisk og racemæssig uretfærdighed i denne nation.
Det New York City-baserede moderne danseselskab med kunstnerisk leder Felipe Escalante ved roret har til formål at 'antænde en eksplosion af kunstnerisk produktivitet og social opvågnen' og 'mener koreografi skal fremkalde kraftige og undertiden forstyrrende følelser.' Inde i vores skind følte mig helt i tråd med begge disse punkter.
Det andet arbejde om natten, Inde i vores skind - - For damen, der forfølger retfærdighed , var det vigtigste kød af showet (som denne anmeldelse vil fokusere på). Den første del af titlen er afledt af en dramatiker Tennessee Williams: 'Vi er alle dømt til isolation inde i vores egne skind, for livet.' Man kan groft oversætte anden halvdel af titlen fra latin som 'hvem retsforfølger på vegne af retfærdighed'. Det er mottoet for Justitsministeriet inden for den føderale regering. Denne titel er lagdelt og meningsfuld, ligesom jeg ville se, at værket er.
Dens begyndelse var ganske overbevisende - dansere steg langsomt op fra en klump, og den meget lave belysning gjorde det lidt forvirrende for mig, hvad jeg så. Jeg spekulerede på, om din gennemsnitlige seer kunne forblive i det melasse-lignende tempo i bevægelsen, eller om deres sind ville rejse andre steder. En indre og ydre cirkel udviklede sig med en bevægelse, der var glat, men vægtet, hvilket fremkaldte en bære af en tung modgang.
En sirenestøj gik ud, da to dansere i gasmasker kom ind og bevægede sig med mystiske bevægelser. En danser rejste sig i et midtlys, mens andre under dem bevægede sig i bølgende bølger gennem deres led. Danseren ovenfor, gennem steget over andre, havde en vægt på deres bevægelse. Denne tyngde af modgang var tydelig. Ved at føje til den følelse af trængsel formidlede kostumer af grønt / gråt med raggedy frays også den følelse af at bære noget tungt (mere opfindsomme end stereotype fængselsdragt ville have været).
Efter dette afsnit steg danserne højere for at udføre slående smukke bevægelsesordforråd i en cirkel lange linjer fra benene, der strakte sig bagud ud gennem toppen af hovedet skiftet til en jordforbindelse og derefter til en højere. Der var en følelse af tvungen indespærring og ensartethed i denne bevægelse og struktur. Den fejende, dramatiske klassiske partitur passer godt med den forstand.
Denne cirkelafdeling skiftede ind i en anden af dansere, der vendte tilbage, og cyklen blev blå. En solist kom på, iført en hvid unitard (en farve af lys og renhed) og bevægede sig med mere følelse af håb. Alligevel var der en følelse af kontrol og en strenghed i hendes opførsel og bevægelseskvalitet. Var hun en engel med forsigtig optimisme?
mikey manfs alder
Et næste mest mindeværdige afsnit var dansere, der bevægede sig fremad og bagud i deres egne sektioner af lys, som gennem fængselsstænger. Scenebilledet, som dette valg skabte, var stærkt stemningsfuldt og følte konceptuelt strålende. Alligevel begyndte dets effektivitet at falme, da dansere bevægede sig ud af disse lysstænger og således syntes at bryde billedets idé. Stængerne forsvandt en efter en, hvor mange af danserne allerede var bevæget sig ud af deres lysdeler.
Tabula Rasa Dance Theatre i 'Inside Our Skins'. Foto af Jared Siskin / PMC.
Det kunne have forstærket betydningen mere at udslette lysene en efter en med danserne stadig i bevægelse i det rum, de havde været. Programnoterne talte om fortsat mentalt traume fra fængsling, og ideen om at bevæge sig på samme måde, selv med lysstængerne væk, kunne måske have bidraget til at formidle denne idé.
Et efterfølgende afsnit viste tilsyneladende hele rollebesætningen og flyttede fra solo til kvartetter til trioer - ind og ud af forskellige grupperinger. Bevægelsen var kridt-fuld af teknisk beherskelse og mere løftet bevægelse. Dansere begyndte også at kaste kostymedele væk, især deres toppe, for at afsløre cremefarvede enhedsartikler. Sektionen føltes lang, som om den handlede om teknisk mestring. Spørgsmålet bliver derefter, hvad målet er.
Ikke desto mindre var der meget, der var visuelt overbevisende her. Sådan visuel interesse fortsatte med en sektion af en danser løftet på hovedet af flere andre dansere og trampet deres ben, som havde kæder og klokker på sig. Skygger faldt bag gruppen og hjemsøgte dansende på bagsiden af scenen. Dette afsnit følte sig også lidt langt efter gennemsnittet af gennemsnittet, selvom nogle publikum kunne have fundet det smukt i sin meditative og æstetiske kvalitet.
Før og efter dette afsnit vendte dansere sig tilbage og bevægede sig som om de vaskede sig, albuer op og til siden, mens deres hænder arbejdede. Disse bevægelser var lidt forskellige for hver danser og var smukke i deres indviklede kvalitet. Det mindede om betydningen af enkle, daglige handlinger og fornødenheder, noget der bliver overdrevet under og efter fængsling.
I en anden gruppesektion efter dette afsnit begyndte dansere alle på en firkant. Der var igen en følelse af indespærring og ensartethed. De flyttede ud af dette torv med mere virtuos bevægelse - en fest med elevatorer, spring og sving, der var moderne ballet i smag. Skrig senere syntes at formidle psykiske sygdomme. Jeg spekulerede på, om denne idé kunne have været leveret gennem kroppen på en måde, der kunne være mere fordøjelig for et bredere publikum.
Kontrasten mellem den løftede, energiske bevægelse ind og disse skrig stak også ud til mig. Jeg kunne i dette se en illustration af balancen mellem tilstedeværelsen af håb i svære tider. Til slutningen bevægede alle sig i en klump mod scenen til venstre mod en lyskilde - langsomt og alligevel ikke så langsomt at udfordre opmærksomheden fra moderne publikum. Der var en smuk kontinuitet i den langsomme bevægelse på en dejlig måde at formidle bevægelse til lys og håb.
Et par andre elementer i forestillingen er bemærkelsesværdige. For det første sad en person hele vejen igennem og skrev væk på sin telefon, undertiden ”selfie-ing”. Dette var en klog skildring af, hvordan vi fortsætter med vores liv, da alle disse uretfærdigheder inden for massefængsling sker. Jeg spekulerede på, om dette kloge valg måske havde været mere vellykket, hvis det blev spejlet på anden side af scenen, måske af en mand, der præsenterer en mand. For det andet koster billetter 63 cent - den gennemsnitlige dagsløn for en fængslet person i New York City. Billetkonvolutter til donationer var i hvert program, og en besked over en højttaler opfordrede publikum til at donere i betragtning af de meget lave billetomkostninger.
Det var et valg, der stemte overens med det overordnede mod og overbevisning i arbejdet, et om et kontroversielt sociopolitisk spørgsmål, Escalante og andre beslutningstagere i virksomheden stolede på, at publikum ville sætte pris på arbejdet og dets stærke budskab nok til i alt at give nok til dækning af produktionsomkostninger. De stolede på, at deres budskab ville give genlyd, måske endda nok til at få publikum til handling. Måske var det samvittighed, der fik dem til at arbejde på en uretfærdighed, de ser derude. Måske var der noget af begge. Uanset hvad er jeg glad for, at de gjorde det, og at jeg kunne opleve dette mangesidede, modige arbejde.
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
anbefalet til dig
