Hee Seo i Jessica Langs 'Garden Blue'. Foto af Rosalie O'Connor. David H. Koch Theatre, New York, NY.
23. oktober 2019.
At bevæge sig, elske, spise, sove - der er handlinger, der altid har været grundlæggende for at være menneske. Vi gør dem alle imidlertid på forskellige måder og har gjort det gennem tiderne. Dans - visceral, fortællende eller ikke-fortælling, uendelig æstetisk tilpasningsdygtig - kan sætte et spejl på disse oplevelser, så vi kan træde tilbage og virkelig se dem. American Ballet Theatre (ABT) præsenterede værker fra tre forskellige koreografer i dette program, som alle udviste et andet synspunkt på de grundlæggende aspekter af at være menneske, fra forskellige steder på den menneskelige tidslinje, alt i bevægelse. Resultatet var æstetisk og konceptuelt meningsfuldt, både i at være tankevækkende og behageligt.
James B. Whiteside's Ny amerikansk romantik var fuld af glæde, legende og æstetisk harmoni. Whiteside er en ABT-princip, der begynder at opbygge en koreografisk portefølje og unik stemme. Værket havde først premiere på Vail Dance Festival 2019 (Vail, CO). Der var noget ganske moderne ved dets følsomhed, men også noget ret klassisk. Balancen mellem de to talte om at bevæge sig fremad i verden, men også holde fast ved verdens grundlæggende sandheder og os selv i den (individuelt og i forhold til hinanden).
ABT i James B. Whitesides 'New American Romance'. Foto af Rosalie O'Connor.
Gardinet steg, og en farvepalet af lavender og blues fik mig straks til at føle mig mere fredelig og kontemplativ. Gruppen voksede, da dansere løb på scenen, indtil de ramte en formation med dansere vendt fremad og stirrede opmærksomt fremad. De løftede armene til femte en haut - enkle, klare, beslutsomme. Gruppen opløste, en pas de deux, der var i centrum. En dejlig harmoni mellem musik og bevægelse spillede ud, såsom en yndefuld udstrækning af et forben fremad i en lift, da den musikalske tone netop blev udrullet.
ayalis
Yderligere sektioner ville komme og gå, sommetider føles det som om de gjorde det lidt hurtigt for mig, nogle gange kan dvælende i et afsnit lidt længere lade sin energi bygge og for publikum at lære det at kende og nyde det lidt mere. Alligevel hjalp denne hurtige skiftning også med at opbygge temaet og energien til at illustrere de unge, rastløse og livlige. Hvidformet dejlig kanon og kontrast af niveauer for at fremme den dynamiske følelse.
Især en mindeværdig trio af ballerinaer tilbød disse elementer, med en halv drejning - benet blev udvidet 45 grader op og frem - danset af de tre på tre separate tællinger, og senere blev en behagelig holdning holdt for et par tæller med dem ved lave, midt og høje niveauer. Gestus bragte desuden en følelse af enhed ballerinaer holdt hænder, da de udførte lave pique arabesker, og sammen krydsede håndled fra at holde arme i femte en haut.
Også forskellige stemninger byggede på forskellige punkter fra musikens kvaliteter, bevægelse og dansernes teatralitet. En ballerinas solo tilbød lidt mere spunk og sass end værket tidligere havde tilbudt. En trio med to danser og en ballerina var blødere og lidt mere kontemplativ. Tre dansere tog scenen for at udvise deres bravura og magtfulde tillid. Alle disse forskellige stemninger og synspunkter skabte et vindue til de forskellige måder, som folk kan være i sig selv og sammen, bevæge sig i rummet. For at afslutte en større gruppe samlet i cirkulær form og fremkalder et harmonisk systems smidige funktion, selv med alle disse separate individuelle og kollektive måder at være - fortid, nutid og ind i fremtiden. Det hele føltes håbefuldt og opløftende.
Jessica Langs arbejde, Haveblå , fulgte. På mange måder - æstetisk, energisk, konceptuelt - føltes det som et Salvador Dali-maleri bragt til live i dans. En del af ABT's Women's Bevæge sig ment, et program til pleje af nye kvindelige koreografer, havde værket premiere den 19. oktober 2018. Det, der først stak ud for mig, var aflange former, der hvilede på scenen såvel som flyvende overhead (scenografi af Sarah Crowner). Noget ved disse talte til mig om de smeltende ure i Dalis ikoniske arbejde. Baggrunden i grøn, blå og hvid talte til mig om naturen.
Dansere bar uniformer i alle forskellige farver og hjalp med at opbygge flerfarvet farvepalet, en regnbue dansede over scenen i større gruppesektioner med dansere spredt ud over den. De bevæges gennem rummet og går i forskellige hastigheder. Derefter begyndte de at bevæge sig med mere teknisk stilisering - i klassisk bevægelsesordforråd, men alligevel med smeltende, 'ooyey-gooey' skift gennem torso, der minder om et mere moderne bevægelsesform.
Når jeg så denne bevægelse, tænkte jeg på de krumme linjer i moderne malerier. Off-center former blev bragt en spændende asymmetri. Arm- og benforlængelser rammer musikalske accenter på lokkende måder. Våben ramte halvvejs og helt op sammen med musikalske noter. En danser drejer sin siddende partner med tæerne hævet som en længere tone spillet.
juliet doherty ballet
Uanset om de er alle sammen eller i mindre grupper af unison, holdt danserne scenebilledet i bevægelse på dynamiske måder.
En del af denne dynamiske handling var også, hvordan dansere fra tid til anden flyttede disse aflange dødstykke og skabte et nyt scenografi - og deri en ny visuel og energisk følelse. En anden del af den dynamiske handling her var, hvordan timing og kvalitet ville skifte sammen med tonale og tidsmæssige skift i musikken.
Inden for disse skift begyndte dansere at påtage sig personligheder og blive deres egne karakterer. Små teatermomenter begyndte at spille ud. En af disse dansere havde både hvide og andre farver, hvilket signalerede mig en integration af disse andre personers kvaliteter. Selv om der var spændingsmomenter, der førte frem til det, bragte slutningen harmoni og enhed inden for gruppen - integrationen af denne karakter spillede ud i tid og rum. De æstetiske og energiske og æstetiske paralleller til Dalis arbejde bandt værket til en moderne æra efter verdenskrig for mig, men aspekter af det var utvivlsomt tidløse. Den tidsmæssige specifikke, men alligevel flydende kvalitet synes for mig at være en kvalitet med stor kunstspecificitet gør den reel, og fluiditet får den til at føle sig mere universelt anvendelig.
dave bugliari
Gemma Bond's En tid der var bragte os tilbage til middelalderen, men hvis vi skulle se på det gennem moderne tonede briller. Kostumer var i jordfarver, i middelalderlig stil og alligevel med moderne detaljer. Belysning havde en jordfarvet tone, der kunne matche, ligesom lyset om eftermiddagen om efteråret. Benjamin Brittens score gentog de rytmer og toner, som vi forbinder med middelalderen, såsom en harmoni fra et cembalo - men alligevel stødte modernismen igennem i visse atonale bøjninger og lignende mere moderne elementer.
Cassandra Trenary og Cory Stearns i Gemma Bond's 'A Time There Was'. Foto af Rosalie O'Connor.
Som i de to foregående værker skiftede de energiske og æstetiske kvaliteter atmosfære og stemning - med klarhed og intriger. For eksempel opløste en dramatisk fuld-åbning i noget blødere som følelsen af en sekvens af mindre grupperinger. Karakterer begyndte at udvikle sig gennem teatralske øjeblikke, ligesom i det tidligere arbejde. Gestus hjalp til med at skabe disse øjeblikke, mens mere teknisk 'stor' og traditionel bevægelse - såsom ekspansive løft, der glat rullede ned i gulvet eller landede i en smukt løftet arabesk - opretholdt dynamisk energi og visuel intriger.
Alligevel fandt jeg, at dette arbejde mindskede mig mindre end de to foregående værker. Måske har tidens specificitet faktisk forringet min oplevelse af det, underligt nok nød mit sind måske at udfylde blanket i stedet for at få den fulde tekst. Interessant nok syntes Bonds afslutning at give tid til en sådan overvejelse på ens personlige fortolkning, som danserne gik ud, en efter en, men scenen forblev tændt, og gardinet faldt.
Med hvad kan vores sind udfylde scenen på det tidspunkt, farvet af vores perspektiv på hvad der lige var sket der? Hvordan kan disse perspektiver forholde sig til, hvad vi forestiller os af de tegn, vi lige har mødt, og hvor meget for os selv - og fællesforholdet mellem de to? Dans i rummet, i tid - fortid, nutid og fremtid - kan bringe os til en sådan reflektion, ofte på netop de ting, der gør os mennesker. ABTs program denne aften gjorde denne sandhed ubestridelig.
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
