Hana Kozuka. Foto af Richie Babitsky. 'Ingen ved hvad 'moderne', 'moderne' eller 'jazz' endda er mere.' Har du hørt det før? Denne forfatter har. Hun har måske endda sagt det selv et par gange. Det kan være en overdrivelse, men faktum er, at mange dansekunstnere og lærere blander sådanne former og deri skaber noget nyt for sig selv. Mister vi integriteten og klarheden ved klassiske, kodificerede teknikker som et resultat - og sådan blanding skal derfor ske med omhu og forbehold? På den anden side åbner denne blanding af formularer plads til frugtbart samarbejde - og derfor tilskyndes det? For dem, der holder af den blomstrende dansekunst ind i fremtiden såvel som bevarelsen af dens tradition, synes disse at være ting, der ikke skal tages let.
For at grave i disse spørgsmål, Dance Informaspoke med fire dansekunstnere: Hana Kozuka, LA-baserede danser / koreograf Bettina Mahoney, grundlæggende direktør for Fortitude Dance Productions og dansepædagog Tracie Stanfield, stiftende direktør for NYC-baseret Synthesis Dance og Taylor McLean Bosch, kunstnerisk leder af Nitrogen: The Company og NYC / Long Island-baseret dansepædagog. Lad os springe lige ind!
Taylor McLean Bosch.
arthur mitchell danser
Hvorfor denne række forskellige stilarter? Er der større indflydelse i danseverdenen som et resultat?
Stanfield mener, at ”sammensmeltning af stilarter (underformater) på en måde er en refleksion eller et svar på den verden, vi lever i. Vores samfund værdsætter mere end nogensinde individualitet, personalisering og autonomi. Kunstnere er ikke begrænset af 'regler' eller fortidens metode. ' McLean Boschs tanke her ligner hinanden. 'Alle prøver at finde deres stemme,' tænker hun. Kozuka bemærker, at denne spredning af stilarter bringer 'så mange flere ting at smelte sammen.'
På den anden side beskriver Stanfield, hvordan vi kan se denne tendens som en anden bølge af spredning af stil / teknik, der skete med væksten af Graham, Horton og Limón teknikker og repertoire - men med “en hovedforskel er, at der ikke er nogen officiel, definitiv grundlæggende system for hver sub-stil eller teknik, det afhænger udelukkende af koreografen / lærernes værdier og præferencer. ” Derudover sker denne spredning i dag i 'gade, jazz og balletstil, ”siger Stanfield. For eksempel har der været en blomstring af klasser i sub-stilarter som 'moderne jazz', 'nutidig fusion', 'moderne gade', 'moderne ballet' og 'lyrisk jazz'.
Hana Kozuka. Foto af Peter Yesley.
Alligevel identificerer og lærer nogle lærere sig ikke ved en konventionel stil, de underviser, men i stedet for deres egen bevægelsesstil / kvalitet og brand. Til gengæld kan eleverne se på lærernes navne og mærker snarere end stilarter, når de beslutter, hvilke klasser de skal tage - som Kozuka vidner om, er hendes norm. 'Det er svært at sætte en etiket på tingene i dag!' hun siger. Hun peger på sociale medier som en drivkraft for denne tendens til at opbygge ens brand. Som lærer mener McLean Bosch, at hun har en unik stil og æstetik, men alligevel vil sige, at hun er en 'nutidig' lærer, hvis det er det, som arbejdsgivere leder efter.
Der er en spænding mellem kunstnerens branding-mode og dansebaserede virksomheder, men Mahoney beskriver, hvordan hun er nødt til at navngive bestemte lærerklasser til sine konventioner, selvom de ikke kan lide, at deres stil 'kategoriseres'. 'Jeg har en virksomhed, og jeg skal annoncere,' hævder hun. Validerer dette punkt peger McLean Bosch på konventioner, der mister forretning fra ikke at tilbyde 'moderne' klasser. Samtidig har konkurrencer klassificeret hendes stykker som 'moderne' - når hun mener, at hendes arbejde er mere 'moderne' end 'moderne'.
jenna justere højden
Er det et problem? Er det en god ting? Er det begge dele? Hvad er vigtigt at huske på med hensyn til tilgange inden for pædagogik, koreografi, branding?
Mahoney bliver bekymret, når det kommer til dansestuderende, der har en base af kodificeret teknik eller ikke 'du kan ikke gå 'off-book', hvis du ikke har bogen i første omgang,' hævder hun. En del af denne vigtige indføring af konventionelle dansestile hos unge studerende er undervisning i danshistorie - hvor disse former kom fra en samlet historisk kontekst. ”Så kan studerende vide, at nutidens for eksempel voksede ud af postmoderne og postmoderne af moderne,” bekræfter Mahoney. Så vidt hun ser det, respekt for og beherskelse af sådanne former - og deres historiske arv - giver meget stærkere koreografi, performance, pædagogik og mere. Som det gamle ordsprog siger, skal du kende 'reglerne', før du kan 'bryde dem'.
Bettina Mahoney.
Kozuka og McLean Bosch ser i sidste ende denne tendens med blanding og spredning af stilarter som en god ting, noget der kan give kunstnere mulighed for at finde deres ægte kreative stemmer og gøre vidunderligt arbejde. Kozuka mener, at i stedet for at føle, at vi skal lægge ting i 'kasser', er det i vores magt at fremstille nye kasser. ”Hvis [nye stilarter] klarer tidstesten, vil de holde fast - eller ikke,” tænker hun. 'Det vil bare ske - nye stilarter vil dukke op, og ældre genrer vil blive forældede,' udtaler McLean Bosch.
Stanfield validerer konstateringen af ens egen bevægelsesstil 'selv ingen regel er en regel.' Hun bifalder pladsen til kreativitet og frihed og påpeger, at innovation altid bringer frygt for forandring (som 'knurr fra mobiltelefonernes [ubitquity]'). Til sidst mener Mahoney, at dansekunstnere bringer deres egen bevægelseshistorie fra de unikke kvaliteter hos lærere og koreografer, de har studeret med og danset for. Kozuka understreger også dette punkt. Oplevelse og derfra videreføring af stilistisk og teknisk arv ser ud til at være noget at opmuntre - da det er, hvordan dansefeltet er vokset til at være, hvad det er.
take-a-ways
Tracie Stanfield underviser på Broadway Dance Center.
Hvordan får danseverdenen mest ud af denne tendens?
Stanfield understreger dog udfordringen for dansere, som alt dette kan skabe - at skulle træne i 'alle stilarter'. 'Når alt er vigtigt, er i sidste ende intet vigtigt.' hun tror. Således synes dybere samtaler om, hvad der er muligt og tilgængeligt for dansere, nødvendige. Med hensyn til spændinger mellem kunstnere til danselærere og virksomhedsejere, som dem McLean Bosch og Mahoney beskrev, kan en sådan yderligere dialog måske også hjælpe der. Begge parter kunne udtrykke deres behov og ønsker, og at finde fælles grund kunne give en vis gensidig enighed.
Med hensyn til Mahoney's bekymringer for dansekunstnere, der starter med et fundament af kodificerede teknikker - teknisk beherskelse og dyb kontekstuel viden derom - kan dansepædagoger ramme deres læseplaner omkring først at indføre dette fundament i deres studerende og derefter lede dem til at forgrene sig til noget mere af deres egne. For Kozuka er det op til hver kunstner at navigere i disse dynamikker af stilistisk identitet med deres bedste dømmekraft, højeste integritet og fulde personlige ægthed. Det vil formere sig udad for at skabe en danseverden, der gør det samme.
Stanfield mener, at 'dansere tiltrækkes til arbejde, der resonerer med dem ... vi trækker til de oplevelser og stilarter, der nærer og udfordrer os.' Etiketter er ikke nødvendigvis så meningsfulde for os som for andre typer mennesker, og vi kan bringe fleksibel tænkning i forskellige situationer. Med god dømmekraft, integritet, ægthed og fleksibel tænkning kan vi navigere i vanskelige dynamikker - selv dem, der er så vanskelige som stilistisk identitet, personlig danseartist branding, tradition versus individualitet og lignende. Lad os gøre det!
Af Kathryn Boland fra Dance informerer.
anbefalet til dig
