Anmeldelser | April 2024

New England Ballet Theatre of Connecticut. Foto af Jeff Holcombe.

26. - 28. september 2020.
Online kl onstagedanceco.com .

En meningsfuld ting ved kunsten er, hvordan det kan give folk en stemme, et rum til at udtrykke sig og dele deres oplevelser. At kunne høre sin stemme er også en vigtig måde at styrke mennesker på. Begge OnStage Dance Dance Company (Malden, MA) og Nozama Dance Collective (Boston, MA) har bemyndiget folk gennem dansekunsten som en vigtig del af deres mission - den førstnævnte som et rum for voksne dansere til at optræde, mens de engagerer sig i andre karrierer, og sidstnævnte fokuserede på at styrke kvinder gennem dans. Det Giv hinanden styrke serien er udgangspunktet for de to virksomheder (OnStage instrueret af Jen Kuhnberg og Nozama af Gracie Baruzzi og Natalie Nelson-Schiera) og er baseret på troen på, at samarbejde kan styrke alle involverede og skabe noget helt specielt.

Gennem antallet af præsenterede kunstnere er det også en platform for mange kunstnere at have en stemme - alle varierede, alle unikke, alle værd noget specielt på deres egne måder. Baruzzi og Kuhnberg var ikke ved at lade en global pandemi komme i vejen for dette vigtige arbejde. Faktisk er dette år Giv hinanden styrke (det andet årligt) kunne give flere kunstnere en stemme i år end serien har gjort tidligere. Derudover tillod et virtuelt videoformat plads til en kort video fra hver koreograf forud for deres stykke, hvor de kunne dele lidt om sig selv og det arbejde, vi er ved at se - og vi kunne bogstaveligt talt høre deres stemme.

sunlen serfaty højde

Allo Movement Project's Uvurderlig: V4 , udført af Allison Rebecca Penn og med videografi fra Jesse Pierce, kommer på tredjepladsen i det virtuelle show. Dansere bevæger sig på forskellige udendørs steder, en følelse af ensomhed i at danse alene. Er det ensomhed eller ensomhed? Det er fortsat et åbent og spændende spørgsmål. Penn, der danser i disse rum sammen med sit fodtøj, giver værket en quotidian-følelse. At bevæge sig lavt i rummet tilføjer en følelse af tyngde, som om hun bevæger sig med et tungt hjerte. Stemningsfulde øjeblikke af forbipasserende, der bevæger sig igennem og ikke anerkender hende, tilføjer følelsen af ensomhed.

Partituren, en sjælfuld R & B-sang, føjer til den følelse. Højttaleren i sangen ser ud til at opleve en masse forvirring og er også alene i det mentale rum. Bevægelsens energi - til tider frenetisk (dermed den forvirring), men stadig tung - synes at være i overensstemmelse med alt dette. På et tidspunkt, hvor vi ikke altid kan kramme dem, vi elsker, og usikkerhed hænger tungt i luften, føles arbejdet relevant og sammenhængende. Spejling af vores oplevelse tilbage til os, som kunst undertiden gør, giver os mulighed for at se det på nye måder. Hvad kan der ske derfra? Kun tiden kan vise det.

Dana Alsamsams Modersmål kommer dernæst. Alsamsam forklarer, hvordan arbejdet kommenterer vores forhold til vores mødre og den virkning, de har på os gennem hele vores liv. Fem dansere bevæger sig gennem forskellige niveauer, former med klar geometri og steder i rummet i forhold til hinanden. De begynder med fire af danserne, der knæler ned i en slags sidelunge og læner sig inde i benene med brede arme. Det er en spændende form, der vender tilbage gennem stykket. En danser danser også over dem i rummet. Dette hierarki gennem placering forbliver ikke dansere bevæger sig på alle måder i forhold til hinanden gennem hele arbejdet. De væver ind og ud af hinanden, som om de er i spænding, selv mens de eksisterer sammen. Partituren er hjemsøgende, en ensom stemme giver lange, liltende toner, mens andre stemmer giver vokaliseringer, der er mere staccato og vanvittige. Maroon og sorte kostumer i rene, enkle snit understøtter stykkets stemning og bidrager til en behagelig æstetisk organisation.

Shae Forest's 'Tal'. Foto af Paul Bloomfield.

Jeg forestiller mig, at den lange staccato-stemme er stemmen til en mor i ens psyke, hvad enten det er bevidst eller ubevidst, mens jeg også hører en kakofoni af andre stemmer i den omkringliggende verden. At væve ind og ud af hinanden gennem rummet føles som disse stemmer og de påvirkninger, der mødes og finder en slags tolerance for hinanden. Mangfoldigheden, der stammer fra alle disse stier gennem rummet, føles som den mangfoldighed, der kommer fra den kakofoni af stemmer, der kan have en effekt på os. Stadig forbliver moderens stemme. Til sidst ligger en danser og sidder overfor de fire andre dansere - bagsiden af strukturen i begyndelsen af arbejdet. Jeg tænker på alle de forskellige måder, at høre vores mors stemme kan påvirke os på, og alle de forskellige situationer, vi måske befinder os i, hvor vi hører hende.

Shae Forest's Tale udforsker hvordan dans kan fungere som sprog og betydningen af det for kommunikation i samfundet, deler hun i sit indledende uddrag. Desværre er det ikke et emne, der er højest i tankerne for et bredere samfund, mener en måske kynisk del af mig. Alligevel kan alle sætte pris på de æstetiske tilbud i dette stykke. Danserne, iført elegant udskårne hvidhvid trikotkjoler, bevæger sig med en utrolig facilitet gennem meget teknisk og udfordrende bevægelsesordforråd. De bevæger sig med lidenskab og engagement gennem det udfordrende arbejde, sådan at det føles udtryksfuldt og meningsfuldt snarere end bare bevægelses “tricks” for deres egen skyld.

Den mørke belysning og den sensationelle instrumentale score bygger yderligere drama og udtryk. Forest strukturerede også dygtigt grupperinger i arbejdet, så dansere kommer og går, og grupper ændrer sig nok til at være spændende, men ikke så meget for at føle, at disse ændringer kommer for hurtigt - disse skift repræsenterer måske en slags kommunikation af deres egne. Undertiden har kunst en bredt tilgængelig betydning, nogle gange er den æstetisk behagelig eller mindeværdig, og nogle gange har den begge dele. Ingen af disse muligheder er i sagens natur vildledte. De er alle noget værd.

Rachel Linsky's Udvælgelse er et mindeværdigt og tankevækkende arbejde. Vigtig betydning møder teknisk dygtighed, og resultatet er noget virkelig betagende. I sit præ-performance-uddrag forklarer Linsky, at stykket udforsker processen med 'udvælgelse', hvorved nazisterne adskilt dem, der var i stand til at arbejde, og dem, der ville blive dræbt straks, når de førte jødiske fanger til koncentrationslejre. Familier blev trukket fra hinanden gennem denne proces, deler Linsky, hvilket har været et almindeligt redskab for undertrykkere på undertrykte gennem historien. Uden for Bostons Holocaust Museum danner danserne lige linjer - i uhyggelig tilpasning til jødiske fanger ved ankomsten til stedet for deres (sandsynlige) død. Røg stiger, en anden kølig reference her.

Rachel Linsky's 'Selection'. Foto af Lisa Link.

De bevæger sig (inden for disse linier) med et bestemt niveau af en bundet kvalitet, sidebøjning og rullende gennem skuldrene for at bøje sig fremad - inkorporering af indsnævring og manglende autonomi. Understøtter denne sans og et ønske om at undslippe indsnævringen, mens de ikke er magtfulde til at gøre det, når de op til himlen, men på andre tidspunkter falder de ned på gulvet eller lige over det i et dybt spring. Danserne bærer naturligvis masker på grund af COVID, men det tænker også på mig en sygdom - som den, der førte til drab på seks millioner jødiske folk og seks millioner andre, der blev anset for at være en trussel mod nazistmagt. Tal blinker foran danserne, når de bevæger sig, hvilket repræsenterer identifikationsnumre for fanger i koncentrationslejren. Vægten af dette historiske traume, dette ømme på historien, rammer mig på et meget visceralt niveau.

Alligevel er den virkelig skræmmende ting her ikke vægten fra fortiden isoleret - det er den fortid der rimer med ting der sker i dag. Mod slutningen, blandt stemmerne fra andre overlevende fra koncentrationslejren, hører vi Bernard Marks konfrontere sheriffen og fungerende ICE-direktør i et rådhus i Sacramento, Californien. Han taler med åbenhed og vildskab og trækker paralleller med, hvordan han blev adskilt fra sin familie i koncentrationslejrene, og hvordan det sker i dag i tilbageholdelsescentre lige her i USA. Jeg tager et øjeblik med højtidelig refleksion, når jeg har set værket, og lover at aldrig glemme og aldrig undskylde had. Arbejder som Linsky's, med æstetisk kommando og en virkelig potent betydning, kan have den slags effekt.

Snart tilbyder ballerinaer fra New England Ballet Theatre of Connecticut dog noget meget lettere og mere glad. Blid klavermusik ledsager deres sprudlende balletiske bevægelse gennem forskellige udendørs steder - springer stort ved en sø, springer og bevæger arme på et klassisk hjems trin og spinder på en veranda. Slowmotion-effekter forbedrer følelsen af frihed under flyvning, og filtre tilføjer en visuel harmoni, der virkelig er behagelig. Det hele føles som en flugt fra COVIDs virkelighed. Danserne bærer ikke engang masker (som jeg finder fint, fordi de ikke kommer særlig tæt på hinanden, når de danser i samme skud). Arbejdets ro og glæde, for ikke at nævne den rummelighed og frihed, som ballerinaerne bevæger sig med, føles som medicin til sjælen i denne tid (eller når som helst, det kan være) .

Alligevel er arbejdet ikke helt uden følelsesmæssigt eller begrebsmæssigt område mod slutningen, dansere laver kløbevægelser op ad siderne af en bygning - bortset fra visuelt smukke, formidler en rækkevidde og en længsel efter det ubemærket og uudforskede har stødt på i arbejdet). Uanset hvad vi finder og oplever, er der altid noget uden for det. New England Ballet Theatre of Connecticut har en stemme, der kunne bringe os alt dette, ligesom andre stemmer tilbød deres egne gaver gennem deres stemme. Brava til OnStage Dance Company og Nozama Dance Collective for at skabe plads til alle disse stemmer.

Af Kathryn Boland fra Dance informerer.