Anmeldelser | April 2024

Dolly Sfeirs 'Multiple Personalities'.

17. september 2020.
Online via Social Distancing Festival.

“Less is more” er en gammel maksim i kunsten (og i livet) mennesker har kun så meget sensorisk, mental og følelsesmæssig båndbredde, og det at være bevidst om brugen af denne båndbredde gør ofte den mest behagelige og meningsfulde kunst. I 2020 midt i en global pandemi gør især to kræfter denne idé endnu vigtigere. For det første en spærring af digitalt indhold kombineret med utrolig usikkerhed om retningen i vores liv kan føles overvældende . For to på samme tid minder kloge stemmer os om, at dette kan være en tid til at bremse, reflektere og revurdere, hvad vi vil have i vores liv, og hvad der er vigtigst for os.

Hvad betyder alt dette for dans? Med den triste og undertiden frustrerende udfordring ved ikke at være i stand til at oprette forbindelse til at udføre og tage dans i store samfund har dansekunstnere været kreative om, hvor, hvad og hvordan de præsenterer arbejde. Når vi udforsker nyt terræn om, hvordan vores kunstform ser ud og føles, virker 'mindre er mere' nøglen. Pizarts ' dansefilm, Rød mellem linjerne , under Zoe Rappaports kreative ledelse, eksemplificerer denne tilgang gennem et simpelt og klart tema (den meget stemningsfulde rødfarve), en kort præsentation i en klar struktur og det bedste ud af trange rum.

En samtale efter showet tilføjede ekstra kontekst til hver af de seks præsenterende kunstneres dansefilm på et minut - hvorfor deres tilgang interesserer dem, hvordan den udviklede sig, hvordan den kreative proces var og mere. Arbejdet skulle finde sted på scenen på Ailey Citigroup Theatre i sidste juni, men måtte udsættes på ubestemt tid på grund af COVID. De seks kunstnere var alle enige om at skabe en minuts dansefilm i stedet for en proscenium-forestilling, som de skød i højden af pandemien. Åbning af filmens lysbilleder i et visuelt opmærksomt design med en rød baggrund og hvide bogstaver deler denne baggrundskontekst.

Darrell 'Friidom' Dunn's Besked begynder med, at Dunn sidder, på tværs af benene, hans mentale og fysiske fokus er håndgribeligt. Den skarpe røde skjorte mod en mørkere baggrund har en lignende intensitet. Det er sandsynligvis resultatet af omhyggelig filtrering og andre filmredigeringsmetoder, det er klart og virkningsfuldt. Vi hører lave toner og en dyb kvindelig stemme i partituret, og Dunn begynder at bevæge sine hænder med kontrol og fingerfærdighed. De bevæger sig ud og derefter ind og gestikulerer. Billeder som stiger og to enheder, der mødes, er dechifrerbare og fascinerende.

ultimativ holdånd

Dunn kommer til at bevæge sine hænder i en cirkulær formation som om han holder en kugle - endda en kugle af energi - i sine hænder. Hans fokus og intensitet forbliver fængslende. Voiceovers ord tilføjer et mysteriumselement, endda chok - kvinden beskriver menneskehedens afslutning og behovet for at gå sammen om at handle. Det føles som noget ud af science fiction (hun henviser til 'astronomer' med evne til at forudsige f.eks. Menneskelig civilisation).

Det røde af filmens tema er ganske passende her, det er en farve af alarm og advarsel (stoplys, sirener, lys fra alarmsystemer). Fortsat med stemningsfulde bevægelser gør han små bevægelser som to fingre, der bevæger sig oven på hånden for at formidle handling. Behændigheden og anlægget i hans hænder, mysteriet i luften og den visuelle intriger har meget rigdom på et minut. Mod slutningen falmer hans røde skjorte til sort. Han bringer sine hænder gennem en bønposition og til sidst nedad fra kameraets vinkel, mens han bøjer hovedet. Det er som om han har leveret denne vigtige advarsel og opfordrer til at forene sig i aktion, og nu er den færdig.

På et tidspunkt, der kan føles som kaos, kan en form for katarsis høre om en kamp i en eller anden verden, anden gang, om fantasi og fantasi. Hvor meget gælder det for nu? Hvor meget skal vi forene for at undgå civilsamfundets sammenbrud? Det er stadig et spørgsmål for seeren. De sidste øjeblikke i filmen ser ud til at opfordre seeren til i det mindste at tage refleksion, mens han stirrer på sine bevægelige hænder siden starten, her ser han lige ud til seeren, mens kameraet pander væk.

Linda Mason's Genfødsel har stemmer, der ligger over to dansere, der maler sig i rødt og bevæger sig. Mysteriet føles tykt i luften. En base af rød maling har snart hvid over øjnene (dækker templer, øjenbryn og en del af næsen). Der er en knap hørbar kvalitet af stemmerne, hvilket øger mysteriet. Sætninger, som jeg kan dechifrere som 'hvis vi skulle blive hjemme i en måned' og 'Jeg havde tør hoste', grundede mysteriet i COVIDs tid. Andre lyde, såsom en guitar og et kirkeorgel, føjer til kakofonien.

Og så rammer det mig - kakofoni er, hvad der sker her. I en tid med millioner af stemmer på tværs af nyhedsnetværk, publikationer og sociale medier kan alle stemmerne straks føles som kakofoni. At hævde sin stemme om emner, der berører os alle, er vigtig og meningsfuld, men oplevelsen af alle, der gør det på én gang, kan helt sikkert føles som en masse . Det kan få dig til at ønske at smide dine enheder og løbe ud i naturen og måske endda male dig selv med levende farver i en handling af rå, brændende kreativ energi - som danserne her laver. På et teknisk niveau minder arbejdet mig også om, hvordan med film og støttende teknologier, hvad dans kan være, er mere ubegrænset end nogensinde. Æstetisk er det ikke min favorit tilgang til at opleve, men betydningen er potent.

Dolly Sfeirs Flere personligheder kommer dernæst. Det har en klassisk følelse af det og postmoderne elementer på samme tid, en old-school fysisk teaterfølelse og musik fra 50'erne-stil møder moderne tilpasninger. I showets tema overlapper et rødt filter Sfeir. Samtidig bringer hendes hoppeagtige bevægelse en knivspids zaniness. Så bliver en kvinde tre, alle ens: en ved døren, en på sofaen, en i køkkenet. Dette valg får mig til at tænke på, når vi siger ”en del af mig (føler, tænker osv.)” Der kan være konkurrerende kræfter i vores sind og krop. Med en dynamisk tilgang bringer Sfeirs stykke stof til eftertanke, æstetisk fornøjelse og simpelthen sjov.

Damani Pompey's Bedrager har et overhead kamera med det røde filter på nogle af stykkerne. Vi ser danseren Kar’mel Small bevæge sig i et begrænset rum, så meget som det er muligt. Når du når højt, bøjer dig, drejer, er der en fornemmelse af, at dette begrænsede sted er et privat helvede. En vask og forskellige personlige genstande giver det fornemmelsen af et boligareal, hvis det er noget almindeligt og usmukt. Jeg kan forestille mig, at monotonen på dette sted er daglig oplevelse og eksistens.

Partituren er let atonale elektroniske toner. Dette sammen med den bundne, spændte kvalitet af Smalls bevægelse giver værket en horrorfilm-følelse. I løbet af denne tid med COVID, mens vi alle bruger så meget tid på indespærring i vores hjem, er filmen sikker på, at den kan relateres og være relevant.

Martina 'Android' Heimann's Distraktion kommer dernæst. Hun bærer hvidt, overtrukket med showets røde filter. Hendes lange hår er halvt op og bringer en følelse af glamour. Kameravinklen skifter til overhead, når hun drejer. Der er en piget glæde til stede, en der kan vises i livet for selv kvinder i 30'erne eller 40'erne - ideelt set!

Hun ruller sin krop og ser sig selv i spejlet og bakker op mod sin dør. Vi ser hendes pointe sko, en tå sprang glamourøst. Disse øjeblikke - måske før en date, måske en nat med bare at føle sig selvsikker - er en del af nogle kvinders liv og kan være en del af enhver kvindes liv, hvis vores sociale strukturer og værdier understøttede det. Alligevel er hendes rum også lille, hvilket vidner om den modstandsdygtighed og glæde, som nogle kan finde selv inden for indespærring.

Rappaport's Kunst vs galskab er det sidste stykke. Kameraet filmer hende ovenfra og bevæger sig fra at lægge sig og stå. Det ser ud til at være et kreativt rum med malet papir og andre kunstneriske materialer, der ligger rundt. Undertiden rykkende, undertiden flydende, ser hendes bevægelse ud til at udtrykke mange forskellige følelser og fysiske oplevelser. Hendes arme, der gør meget af bevægelsen, bliver omdrejningspunktet for energi i rummet. Partituren, en slags langsom og sjælfuld R&B sang, har dybde, men også på en eller anden måde en følelse af lethed og håb.

Det er en dejlig følelse at afslutte filmen med. Rappaports arbejde føles som en folie til Pompejus, selv små rum kan rumme glæde, fantasi og kreativitet. Uddybning af denne sans, da filmen slutter hvid tekst på en rød baggrund siger 'kun vores fysiske rum kan være begrænset // fantasien er og vil altid være grænseløs'. I denne tid er det et vigtigt, bemyndigende og sandt budskab til danseverdenen og langt ud over den.

Sangen, der ledsager Rappaport, fortsætter mens kreditterne ruller og fortsætter med at dele lethed og håb. Det er noget, vi kan huske langt ud over at se dette seks minutters film - og vær stærkere, mere fantasifuld og mere glad på grund af det. Seks minutter og et klart, fokuseret tema kan skabe det. Mindre kan faktisk være så meget mere.

Tjek livestream og diskussion efter showet her .

Af Kathryn Boland fra Dance informerer.